Mit Her Private Hell kehrt Regisseur Nicolas Winding Refn am 12. November 2026 nach längerer Abwesenheit auf die Kinoleinwände zurück. Am Rande der Filmfestspiele in Cannes spricht der Drive-Regisseur über seine Auszeit vom Kino, den einzigartigen Schaffensprozess hinter seinem neuesten Film und darüber, welche Rolle seine Nahtoderfahrung und die Beziehung zu seiner Tochter bei der Konzeption von Her Private Hell spielten.
Wie fühlt es sich nach all der Zeit beim Fernsehen an, mit einem Film zurück in Cannes zu sein? Fühlt es sich ernster an?
Nun, Cannes ist einfach eine größere Leinwand, oder eher eine Maschine. Eine Monstermaschine. Aber es ist großartig. Ich liebe es, hier zu sein und bin sehr glücklich, wieder zurück zu sein.
Wir haben vorhin mit den Schauspielern gesprochen und sie sind alle begeistert von dir. Wie schaffst du diese Atmosphäre am Set? Du beschreibst dich selbst immer als sehr eigenwillig. Durften sie trotz allem ihre eigenen Ideen in den Film einbringen?
Oh, absolut. Mehr denn je. Ich denke, die Idee, die Darsteller zu Objekten zu machen, war in diesem Film durchaus präsent. Sie wurden zu meinen eigenen Puppen. Ich konnte ihnen Uniformen anziehen und sie Dinge machen lassen, die sehr an Superhelden erinnerten.
Aber ich denke auch, dass es um Respekt vor den Darstellern geht. Ich drehe chronologisch und jeden morgen wurde das Drehbuch angepasst, von uns allen zusammen. Wenn man sie in den kreativen Prozess einbezieht, muss man sicherstellen, dass sie die richtigen Menschen dafür sind, aber es gibt ihnen unglaublich viel, Teil des Erzählprozesses zu sein, statt nur gesagt zu bekommen, was sie tun sollen. Man bezieht sie ein und fragt sie, was sie heute gerne machen würden. Wenn sie etwas machen möchten und ich einverstanden bin, überlege ich mir, wie ich es für sie möglich machen kann. Das schafft eine sehr positive Haltung. Auch hier muss man mit gutem Beispiel vorangehen. Als Regisseur muss man zugleich Kindergärtner sein.
Apropos Chronologie: Hast du die verschiedenen Abschnitte getrennt voneinander gedreht, etwa den Teil in der Zukunft?
Nein, ich habe alles der Reihe nach gedreht. Immer. Sonst komme ich völlig durcheinander.
War das nur möglich, weil du alle Sets an einem Ort hattest?
Ja, wir haben in Kopenhagen gedreht. Ich habe alles in einer Studiohalle bauen lassen, sodass wir einfach zwischen den Sets wechseln konnten.
Was hat dich ästhetisch inspiriert? Einer der Türme hat mich an Torres Blancas in Madrid erinnert. Kennst du das Gebäude?
Nicht aus eigener Anschauung. Ich wollte eine Welt erschaffen, die wie Kaugummi ist, flexibel und sich verändernd.
Für mich wirkt der Film in der griechischen Mythologie verwurzelt. Besonders der Abstieg in die Unterwelt und der versuch jemanden daraus zu retten. Auch die Statuen erinnern daran. Hast du dich bewusst davon inspirieren lassen?
Da steckt auf jeden Fall etwas von diesem Orpheus-Motiv drin, absolut. Aber vieles darin hat auch mit meiner eigenen Situation zu tun.
Wenn dir gesagt wird, dass du sterben wirst, durchläufst du viele emotionale Phasen. Meistens Angst, Trauer, Wut, was auch immer. Ich kam zu dem Schluss, dass ich gesegnet war, weil Gott mir vielleicht die Chance geben würde, in einem Alter zurückzukommen, in dem ich noch 25 gute Jahre vor mir hätte. Das ist weniger als früher, aber immerhin etwas. Als ich diese Sichtweise angenommen hatte, konnte ich mit vielem in meinem Leben Frieden schließen. Meine Ehe hatte 30 Jahre gehalten. Meine Älteste stand auf eigenen Beinen und lebte ihr eigenes Leben. Aber meine Jüngste war noch nicht so weit, also musste ich für sie zurückkommen. Das war mein Antrieb.
In gewisser Weise wurde daraus Private K, der für Sophies Figur das Alter Ego eines perfekten Vaters verkörpert. In der realen Welt befindet sie sich in einer viel schwierigeren Situation, weil ihr Vater ihr den Liebhaber ausgespannt hat und ihr Liebhaber ihr den Vater genommen hat.
Ist das eine Welt, die du in einem weiteren Projekt näher erkunden möchtest?
Nein, ich plane gerade etwas auf Grundlage einer viel größeren IP, das sich damit beschäftigt. Es wird viel größer.
War das ein Projekttitel oder ein besonderer Name?
Nun, etwas, das mit einem M anfängt, könnte dich auf die Antwort bringen. Es ist wie beim Scrabble, aber mehr kann ich noch nicht verraten.
Wir haben die Schauspieler gefragt, wie überrascht sie vom fertigen Film waren. Wie überrascht warst du selbst? Ist es der Film geworden, den du am letzten Drehtag im Kopf hattest?
Nein, er hat sich verändert. Ich habe ihn anderthalb Jahre lang entwickelt, geplant, geschrieben und besetzt. In jeder Phase hat er sich verändert. Dann gingen wir in die Produktion und er veränderte sich wieder. Nach dem Dreh veränderte er sich im Schnitt. Dann beschäftigte ich mich mit Ton und Musik und er veränderte sich erneut.
Ich ging zurück und änderte einiges am Schnitt, weil Pinos Musik so gut war. Am Ende beschloss ich, mit seiner Musik eine Oper zu machen. Dadurch änderte sich vieles. Dann ging ich wieder zurück und passte erneut Dinge an. Ich habe dasselbe Bild immer wieder gemalt, bis mir irgendwann die Farbe ausging. Aber dann war es auch fertig.
„Her private hell“ lässt viel Spielraum für Interpretation. Wie interpretierst du den fertigen Film jetzt selbst?
So denke ich darüber nicht nach. Ich bin kein Politiker. Ich verfolge keine Agenda. Ich denke nicht darüber nach, ob ich wollte, dass es dieses oder jenes wird. Ich genieße den kreativen Prozess.
Das Endergebnis ist natürlich der Abschluss, aber das ist für alle anderen da. Ich gebe es anderen Menschen, damit sie dabei empfinden können, was sie wollen. Ihr wollt es verbrennen, küssen, ficken, zerstören. Das ist eure Entscheidung. Ich bin fertig. Meine Arbeit ist getan.
Ich habe es geliebt, den Film zu machen, weil dabei meine Endorphine in Schwung kamen. Jeder Tag war kreativ. Es war, als bekäme man ein Rätsel gestellt und müsste überlegen, wie man es löst. Bei Kreativität geht es darum, seine Schwächen in Stärken zu verwandeln, weil es nie die perfekten Bedingungen gibt. Wenn man ein Bild malt, und ich kann nicht malen, also ist das natürlich eine Metapher, hat man nie in jeder Hinsicht die perfekten Voraussetzungen. Also muss man sich überlegen, wie man aus diesem etwas anderes macht. Es ist eine Erfahrung, die einen verändert. Deshalb macht Kunst so süchtig und deshalb sind manche Menschen bereit, ihr ihr ganzes Leben zu widmen.
Begann diese kreative Freiheit schon bei der Finanzierung? Hast du bewusst ein Budget gewählt, mit dem du unabhängig arbeiten konntest, ohne dass dich jeden Tag jemand anruft?
Als ich wusste, dass ich einen Film machen wollte, ging ich zu Tom Quinn von Neon und sagte ihm das. Tom fragte, worum es gehe. Ich antwortete, das wisse ich noch nicht so genau. Daraufhin fragte er, was ich brauche. Ich erklärte ihm, ich könne den Film für Summe X machen. Er sagte, wenn ich ihn dafür machen könne, garantiere er mir das. Ich hatte das Geld also schon, bevor ich wirklich mit der Arbeit am Film begann.
Hast du beim Casting nach etwas Bestimmtem in den Schauspielern gesucht?
Ich habe gelernt, immer mehr darauf zu schauen, was da ist, statt nach etwas Bestimmtem zu suchen. Nicht zu wissen, was ich will, aber darauf zu vertrauen, dass es sich irgendwann zeigen wird. Ich hatte großes Glück, das erleben zu dürfen.
Die Schauspieler haben beschrieben, wie sie erst ganz entspannt skandinavisch gefrühstückt haben und dann diese außergewöhnlichen Sets betraten. Hast du bei ihrem ersten Besuch schon gelächelt, weil du wusstest, wie sie reagieren würden?
Nun, ich habe eher deshalb gelächelt, weil nur 30 Leute am Set waren. Dadurch war alles sehr unkompliziert und entspannt. Das ist sehr skandinavisch. In dieser Hinsicht machen wir kleinere Filme. Aber die Zusammenarbeit mit ihnen war großartig. Es fühlte sich wie ein Familienprojekt an, bei dem alle einbezogen wurden und wir gemeinsam etwas erschufen. Dann gingen wir einfach nebenan ans Set. Das war wirklich sehr angenehm, muss ich sagen.
Bei der Präsentation hast du darüber gesprochen, dem Streaming den Rücken zu kehren. Außerdem hast du gesagt, dass du eine vielversprechende Zukunft für das Kino siehst. Kannst du das und deine Entscheidung, zum Kino zurückzukehren, etwas näher erläutern?
Es werden viele Filme mit großem Erfolg für Streamingplattformen produziert. Die können sehr gut gemacht sein. Aber ich denke, dass die Strukturen des Streamings, die so stark von Algorithmen und Profit bestimmt werden, manchmal nicht besonders gesund für den Geist sind. Sie können es sein, aber im Allgemeinen glaube ich das nicht.
Wenn du nur das vorgesetzt bekommst, was du laut Algorithmus sehen und essen sollst, wie sollst du dann etwas anderes machen? Es ist ein bisschen wie beim Sex. Wenn du immer nur auf dieselbe Weise Sex hast, wird es dir irgendwann langweilig. Dir entgeht dieses unglaubliche Abenteuer all der anderen Formen von Lust, wenn dir der Algorithmus immer nur eine Sache vorsetzt.
Natürlich verdienen manche Menschen damit viel Geld, aber dann geht es nicht um den Menschen. Dann geht es nur ums Geld. Was ist dann der Sinn? Ich bin ein naiver Idealist, der daran glaubt, dass Kunst inspirieren und herausfordern sollte. Deshalb hatte ich das Gefühl, dass Streaming gerade nicht der Weg ist, den ich gehen möchte. Ich wollte versuchen, wieder Kino zu machen. In einer Welt mit so viel Ungleichheit ist es das gemeinsame Erleben, das uns zusammenbringt. Etwas so Einfaches wie das Kino ist noch immer ein Ort, an den alle gehen und gemeinsam etwas erleben können, ganz gleich, wer sie sind.
Ich denke, gerade geht es darum, dass die Menschen auf der Welt zusammenkommen. Nicht um all diese Trennung, all diese Kanäle und einzelnen Erzählungen, die einem nur das liefern, was man hören möchte. Wir müssen zusammenkommen, um etwas zu erleben, das uns alle herausfordert. Wenn es allen gefällt, hast du etwas furchtbar falsch gemacht. Wenn es alle hassen, hast du etwas furchtbar falsch gemacht. Aber wenn Menschen wie gestern gemeinsam in einem Raum sitzen und die einen es lieben und die anderen es hassen, dann ist das Erfolg. So sieht kreativer Erfolg aus.
Du hast gesagt, dass du den kreativen Prozess liebst und es anschließend dem Publikum überlässt, das Ergebnis zu beurteilen. Blickst du trotzdem auf deine Arbeit zurück und bist auf manche Filme stolzer als auf andere?
Nein. Ich weiß, dass manche das tun und viele gerne darüber reden. Bei mir ist es eher so … Hör zu, ich mache bestimmt Fehler. Aber wenn ich sagen kann, dass ich etwas so gemacht habe, wie ich es zu diesem Zeitpunkt meines Lebens machen wollte, wie kann man das dann kritisieren?
Natürlich gefällt es dir vielleicht nicht. Das ist okay. Aber du kannst nicht behaupten, dass es nicht aufrichtig war. Du kannst nicht sagen, dass es nicht von Herzen kam.
Ihr habt sehr viel über Musik philosophiert. Würdest du sagen, dass es die Darstellungen verändert hat, wenn du am Set ABBA gespielt hast?
Ich habe viele Experimente gemacht. Zum Beispiel könnte ich Sophie erklären, dass jemand einen Monolog an sie richten werde. Sie kenne den Text bereits und ich würde die Person ihn sprechen lassen. Allerdings würde ich jedes Mal eine andere Art von Musik dazu spielen. Das verändert automatisch ihre Darstellungen, weil die Musik in ihre Gedanken eindringt und sie auf unterschiedliche Weise beeinflusst, obwohl die Worte dieselben bleiben. Das ist ein sehr interessantes Experiment und ich liebe solche Dinge.
Schauspieler haben Gefühle, die sie zum Ausdruck bringen müssen. Je mehr man ihnen dabei helfen kann, diese Gefühle auszuleben, desto mehr Erfüllung finden sie darin. Sie sind da, um zu spielen. Es ist also ein Hilfsmittel, um möglichst viel aus ihnen herauszuholen. Sie sind danach auch sehr müde. Sophie sagte, sie sei nach einem Dreh noch nie so erschöpft gewesen. Also würde ich sagen, die Mission sei erfüllt.
Was war noch mal der Satz, den du ihnen jeden Tag gesagt hast? „Nichts ist alles“?
Weniger sei alles. Nein, der Satz lautet, weniger sei mehr und nichts sei alles.
Was bedeutet das?
Es bedeutet: Je weniger du machst, desto größer ist die Wirkung. Wenn du das hier machen kannst, die Kamera veränderst und alle völlig überwältigt reagieren, dann siehst du, wie wenig dafür nötig war. Weniger ist also mehr und nichts ist alles.
War es für dich eine neue Arbeitsweise, alles auf gebauten Sets entstehen zu lassen?
Nein, es war einfach das erste Mal, dass ich einen Film hinsichtlich seiner Sets komplett aufbauen konnte. Ich habe bisher kaum mit Szenenbild gearbeitet. Ich wollte eine Oper machen, deshalb bin ich sehr von einer Theaterinszenierung ausgegangen. Ich fragte mich, wie ich ein Bühnenerlebnis filmen würde. Wie eine Oper. Nicht wie ein Theaterstück, sondern wie eine Oper. Das bedeutete meistens: groß.
Deine Filme haben eine sehr unverwechselbare Bildsprache. War die Gestaltung der Kostüme und des Aussehens der Figuren eine weitere Möglichkeit, diese zu erkunden, fast so, als würdest du Puppen einkleiden?
Ja, fast zu 100 Prozent! Sie waren meine ganz persönlichen Puppenmädchen im Weltall und Private K war mein eigener Actionheld. Er hat einen Ausrüstungsgürtel und eine Uniform. Wie viel mehr Superheld geht noch?
War es schwer, nach Drehschluss loszulassen?
Nein. Es war schön, das Spielen mit ihnen abzuschließen, aber irgendwann muss man nach Hause gehen und schlafen. Das Spielen hat allerdings viel Spaß gemacht.
Vielen Dank
Nicolas Winding Refn returns to the big screen after a lengthy absence with Her Private Hell. Speaking with us at the Cannes Film Festival, the Drive director reflects on his time away from cinema, the unique creative process behind his latest film and the role his near-death experience and relationship with his daughter played in shaping it.
After all this time working in television, how does it feel to be back in Cannes with a film? Does it feel more serious?
Well, Cannes is just a bigger canvas. It is more of a machine. A monster machine, you know. But it’s great. I love being here and I’m very happy to be back, to put it mildly.
We talked to the actors and they all really love you. How do you create that atmosphere on set? You always describe yourself as very singular. Did you allow them to bring their own ideas into the movie?
Oh, absolutely. More than ever. I think the idea of objectifying the performers was certainly present in this movie. They became like my own dolls. I could dress them up in uniforms and tell them to do things that were very superhero-oriented.
But I also think it’s about respect for the performer. Because I shoot in chronological order, when you invite them into the creative process, you have to make sure they’re the right people for that process. There’s an enormous amount of satisfaction on their side in being part of the storytelling, rather than just being told what to do. Being included: “Well, what would you like to do today?” And if you want to do that and I agree, let me figure out how to make it work for you.
That creates a very positive attitude. Again, you have to lead by example. As a director, you also have to be a kindergarten teacher.
Speaking of chronology, did you shoot the different parts separately, such as the future section?
No, I shot it in order. Always. Otherwise, I get very confused.
Was that only possible because you had all the sets in one place?
Yeah, we shot it in Copenhagen. I built everything on a stage, so we could just go in and out.
What was the aesthetic inspiration? One of the towers reminded me of Torres Blancas in Madrid. Do you know it?
Not personally. I wanted to build a world that was like bubble gum, so it felt like you were taking a bite out of a cake.
To me, the film feels rooted in Greek mythology, with someone descending into the underworld to bring someone back, as well as the statues. Did you consciously draw from that?
There’s certainly a sense of the Orpheus strategy in it, absolutely. But there are many things in it about my own situation.
When you’re told you’re going to die, you go through a lot of emotional stages. Usually fear, grief, anger, whatever. I came to the conclusion that I had been blessed, because God was maybe going to give me a chance to come back at an age where I would still have 25 good years left. It’s less than I used to have, but at least it’s something.
Once I took that approach, I made my peace with a lot of things in my life. My marriage had lasted 30 years. My eldest was settled and living her own life. But my youngest wasn’t ready yet, so I had to come back for her. That was my fire.
In a way, that became very much Private K, who happens to be Sophie’s character’s alter ego of the perfect father. In the real world, she’s in a much more difficult situation, because her father stole her lover and her lover stole her father.
Is this a world you’d like to explore further in another project?
No, there’s a much larger IP in the works that deals with that, which I’m planning. It’s much bigger.
Was that a project title or a special name?
Well, what starts with an M might lead you to the answer. It’s like playing Scrabble.
We asked the actors how surprised they were by the finished film. How surprised were you? Was it the film you had in mind on the last day of shooting?
No, it changed. I spent a year and a half developing it, planning it, writing it and casting it. At every stage, it changed. Then we went into production and it changed. After production, it changed in the edit. Then I got into the sound and music and it changed again.
I went back and changed some of the editing because Pino’s music was so good. In the end, I decided to make an opera with Pino’s music, so that changed a lot of things. Then I went back and adjusted things again.
I was painting the same picture again and again until I just ran out of paint. But that was also when it was done.
Now that it’s finished, how do you interpret it yourself?
I don’t think of it like that. I’m not a politician. I don’t have an agenda. I don’t think, “Oh, I wanted it to be this or that.” I enjoy the creative process.
The end result is obviously the end, but that’s for everyone else. I’m giving this to other people to feel whatever they want. You want to burn it, kiss it, fuck it, destroy it. That’s your decision. I’m done. My job is finished.
But I loved making it, because that’s when my endorphins kicked into gear. Every day was creativity. It was like getting a puzzle: “How do I resolve this?”
Creativity is about turning your weakness into your strength, because there’s never a perfect scenario. If you paint a picture, and I don’t know how to paint, so obviously it’s a metaphor, you don’t have the perfect everything. So you have to come up with, “How do I turn this into that?”
It’s a transformative experience, which is why art is so addictive and why some people are willing to dedicate their lives to it.
Did that creative freedom begin with the financing? Did you choose a budget that would allow you to work independently without people calling you every day?
Once I knew I wanted to make a movie, I went to Tom Quinn at Neon and said I wanted to do a film.
Tom was like, “Okay, what’s it about?” I said, “I don’t really know yet.” But he said, “Okay, what do you need?” I said, “Well, I can make it for X amount.” And he said, “Okay, if you can make it for that, I’ll guarantee it.”
So I had the money before I really began making the film.
When casting, were you looking for something specific in the actors?
I’ve learned that, increasingly, rather than searching for something specific, I’m looking for what’s there. Not knowing what I want, but being confident that eventually it will reveal itself. I was very lucky to experience that.
The actors described having a relaxed Scandinavian breakfast before stepping onto these extraordinary sets. Were you already smiling when they first walked in, knowing how they would react?
Well, I was smiling more because there were only 30 people on set, which made it really easy and relaxed. It’s very Scandinavian. We make smaller movies in that sense.
But they were terrific to work with. It felt like a family effort, with everyone included and all of us making this together. Then we just went next door onto a set. It was very enjoyable, I have to say.
At the presentation, you talked about getting out of streaming and said you saw a bright future for movies. Could you expand on that and your decision to return to cinema?
Well, look, there are many movies being made for streaming platforms with a lot of success. They can be very well made. But I think the streaming structure, which is so driven by algorithms and profit, is sometimes not the healthiest thing for the mind. It can be, but generally I don’t think it is.
If you’re just fed what the algorithm wants you to see and eat, how do you do anything different? It’s a bit like having sex. If you only have sex one way, eventually you’re going to get tired of it. You’re going to miss this incredible adventure of all these other forms of pleasure if the algorithm only feeds you one thing.
Of course, some people are making a lot of money from that, but then that’s not human. That’s just money. What’s the purpose? I’m a naive idealist who believes art should inspire and challenge.
So I felt that streaming wasn’t really where I wanted to go right now. I wanted to try making cinema again. In a world with so much inequality, what brings us together is a collective experience. Something as simple as cinema is still something everyone can go to and experience together, whoever they are.
I think right now it’s about coming together in the world. Not all this separation, all these channels and singular narratives that only feed you what you want to hear. You have to come together to experience something that challenges all of us.
If everyone likes it, you’ve done something terribly wrong. If everyone hates it, you’ve done something terribly wrong. But if people can be in a room, like yesterday, and some love it and some hate it, that is success. That’s what creative success looks like.
Your heart stopped for [duration unclear]. Is there a danger of it happening again?
Well, there’s always a danger.
But are you safe now?
Well, now I’m as safe as ever. I’m the Bionic Man. The Six Million Dollar Man.
But obviously, I’ve changed my life too. Once you get past 45 or 50, you’ve got to watch out for those hips. You’ve got to exercise. Things you don’t think about when you’re 25 or 30, because you think you’ll live forever, man.
You fucking don’t. You’ve got to make every valuable minute count.
Sophie talked a lot about your taste in music. If you ever need money again, perhaps after the success of [title unclear], you could make another movie?
Yeah, well, that’s a separate discussion. Let’s see what comes out of it.
You’ve said you love the creative process and then leave the audience to judge the result. Do you nevertheless look back at your work and feel more proud of some films than others?
No. I know some people do that and a lot of people like to talk about it. I’m more like… Look, I’m sure I make mistakes. But if I can say I made it the way I wanted to at that time in my life, how can that ever be criticized?
Obviously, you may not like it. That’s cool. But you can’t say it wasn’t genuine. You can’t say it wasn’t created from the heart. Oddly enough, I play a character called Heartman in a video game.
Would you say playing ABBA on set changed the actors’ performances?
Well, I would do a lot of experiments. It’s a very interesting experiment with performance.
For example, I might say to Sophie, “Okay, here’s a monologue somebody is going to say to you. You know the words, so I’m going to have them say it. But each time, I’m going to play a different kind of music while they’re speaking.”
That automatically alters their performances, because the music penetrates their minds and affects them differently, even though the words are the same. It’s a very interesting experiment and I love those kinds of things.
Actors have emotions they need to get out. The more you can help them exercise those feelings, the more satisfaction they get as performers. They’re there to perform, so it’s a tool to help draw as much out of them as possible.
They’re also very tired. Sophie said she had never been so exhausted by a shoot. So I guess: mission accomplished.
What was the phrase you told them every day? “Nothing is everything”?
Less is everything. No, “Less is more, none is everything.”
What does that mean?
It means the less you do, the bigger it is. If you can do this, change the camera and everyone goes, “Oh my God,” that’s how little you needed to do. So less is more, none is everything.
Was creating everything on sets a new way of working for you?
No, it was just the first time I was able to build a movie in terms of sets. I’ve never really used set design.
I wanted to make an opera, so I approached it very much as a theatrical setting. How would I shoot a theatrical experience? Like an opera. Not like a play, but like an opera. So that usually meant big.
Your films have such a distinctive visual style. Did designing the characters’ costumes and looks feel like another way to explore that, almost as if you were dressing up dolls?
Well, almost 100%! They were my own private doll girls in outer space and Private K was my own private Action Man. He has a utility belt and a uniform. How much more superhero can you get?
Was it difficult to let them go?
No. It was nice to finish playing with them, but then you’ve got to go home and sleep. The playing was a lot of fun.
Thank you so much.
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