Morgen war Krieg

In einer nahen Zukunft ist die EU zerbrochen, in Deutschland hat eine rechtspopulistische Regierung übernommen. Das Land rüstet sich für einen Krieg, die Wehrpflicht ist zurück. Der 33-jährige Jonas (Enno Trebs) wird für diensttauglich erklärt, obwohl er allein für seine elfjährige Halbschwester Leonie (Naila Schuberth) verantwortlich ist. Er desertiert jedoch und flieht mit ihr zu seinem entfremdeten Vater Stuber (Ulrich Matthes), einem pensionierten Fährmann. Dessen Lebensgefährtin Wibke (Susanne Bredehöft) engagiert sich ausgerechnet für den Bau eines örtlichen Grenzzauns, im Dachgeschoss lebt zudem Großvater Wolfgang (Friedhelm Ptok), ein Mann mit nationalsozialistischer Vergangenheit. Als draußen Geflüchtete wie Krasimir (Rinat Khairullin) versuchen, die Grenze zu überwinden, gerät Jonas zwischen Pazifismus, Verantwortung für seine Schwester und den eigenen Überlebenswillen – bis er, noch bevor der angekündigte Krieg überhaupt ausbricht, selbst zum Täter wird.

Ein düsteres Gedankenexperiment

Morgen war Krieg, das Langfilmdebüt von Nicolas Ehret, ist ein Film, dem man die Mühe seiner Entstehung ansieht – im positiven wie im leicht erschöpfenden Sinn. Acht Jahre soll Ehret an dem Stoff gearbeitet haben, gefördert wurde er bereits 2019, gedreht wurde erst Ende 2024 rund um Hannover und Minden, wo für die Grenzszenen eigens ein vier Meter hoher Zaun an der Weser errichtet wurde. Diese lange Entstehungszeit steckt in praktisch jeder Einstellung. Nichts wirkt spontan hingeworfen, vieles ist sorgfältig vorbereitet, komponiert und mit Bedeutung aufgeladen. Das ist zunächst eine Stärke: Der Film fühlt sich nicht wie ein schneller Reflex auf aktuelle Nachrichten an, sondern wie ein über Jahre entwickeltes Gedankenexperiment darüber, wie aus einer Gesellschaft, die sich für stabil hält, eine zutiefst verunsicherte werden kann. Zugleich ist genau diese Sorgfalt irgendwann spürbar als Übergewicht: Morgen war Krieg möchte seine Motive nicht nur erzählen, sondern sie sichtbar machen, benennen und möglichst konsequent mit Bedeutung versehen.

Der stärkste Trumpf dabei ist die Bildsprache. Kameramann Fabian Gamper arbeitet mit einem fast quadratischen Format, das die Figuren regelrecht einzwängt – kaum Platz für offene Landschaft, dafür viel Wand, viel Zaun, viel Tür. Selbst dort, wo der Film sich nach draußen bewegt, entsteht selten ein Gefühl von Weite. Räume werden zu Begrenzungen, Wege zu Korridoren, und selbst der Himmel scheint in diese gedrängten Bilder kaum Platz zu finden. Das ist nicht bloß dekorativ, sondern eine präzise Entsprechung zur Geschichte: Je weiter die Gesellschaft sich militarisiert und abschottet, desto kleiner wird der Handlungsspielraum der Figuren. Gerade in der ersten Hälfte funktioniert das ausgezeichnet. Ehret erzeugt Bedrohung nicht durch spektakuläre Szenen, sondern durch eine Atmosphäre, in der ständig etwas Unheilvolles in der Luft liegt. Blicke, Geräusche, Nachrichtenfetzen und kleine Verschiebungen im Verhalten reichen oft aus. Doch sobald der Zaun tatsächlich steht und die Konflikte sich sortiert haben, büßt der Film einen Teil dieser Spannung ein. Es passiert weiterhin einiges – Gewalt, Verrat, moralische Zumutungen –, nur entwickelt sich daraus nicht immer neue Dringlichkeit. Der Film scheint dann selbst gefangen in seinem einmal etablierten Szenario und braucht einige Zeit, um daraus eine weitere Bewegung abzuleiten.

Enno Trebs als Antiheld

Getragen wird das Ganze von Enno Trebs, der mit Jonas seine erste wirklich tragende Hauptrolle bekommt. Nach frühen Auftritten, unter anderem in Michael Hanekes Das weiße Band, und seiner Auswahl als deutscher Shooting Star der Berlinale 2026 ist das ein konsequenter nächster Schritt. Trebs spielt Jonas zunächst als jemanden, der nicht heroisch wirken will, sondern vor allem verhindern möchte, dass ein übermächtiger Staat über sein Leben und das seiner Schwester verfügt. Gerade deshalb ist seine spätere Entwicklung wichtig: Der Film erzählt nicht von einem keinen klassischen Helden, der in den Krieg hineinwächst, sondern von einem Verweigerer, dessen moralische Gewissheiten unter dem Druck der Verhältnisse zerfallen. Trebs vermittelt diese Verunsicherung überzeugend, auch wenn der Schritt vom entschiedenen Pazifisten zum Gewalttäter wider Willen nicht in jedem Moment dieselbe psychologische Plausibilität besitzt. Ulrich Matthes setzt dazu einen bewussten Kontrapunkt. Als Stuber muss er wenig tun, um eine Geschichte von Entfremdung und Resignation anzudeuten. Susanne Bredehöft gibt Wibke eine verhärmte Freundlichkeit, in der sich Hilfsbereitschaft und Misstrauen ständig überlagern. Friedhelm Ptok, hier in einer seiner letzten Rollen vor seinem Tod im Februar 2026, bleibt als Großvater Wolfgang dagegen auffallend blass. Die Idee, die deutsche Vergangenheit buchstäblich unter demselben Dach wohnen zu lassen, ist stark; die Figur selbst wird dafür dramaturgisch zu wenig ausgeschöpft.

Problematischer als einzelne Figuren ist die politische Welt, in der sie leben. Dass Ehret nicht erklärt, welche Regierung genau an der Macht ist, wie die EU zerbrochen ist oder gegen wen der drohende Krieg geführt werden soll, lässt sich zunächst als konsequente Entscheidung lesen: Jonas lebt nicht in einem politischen Lehrstück, er erlebt die Folgen einer Entwicklung, deren Ursachen er selbst nicht mehr überblickt. Das macht die Bedrohung diffus und damit unangenehm gegenwärtig. Zugleich hat diese Entscheidung einen Preis. Weil die politischen Mechanismen nur angedeutet werden, bleiben einige Konflikte stärker Behauptung als Entwicklung. Man weiß, dass sich die Gesellschaft verändert hat, sieht aber nur selten, wie und warum diese Veränderung auf der konkreten Ebene funktioniert. Dadurch verschiebt sich das Gewicht des Films: weg von der politischen Dystopie, hin zum moralischen Kammerspiel. Das ist durchaus ein tragfähiger Ansatz, nur müsste der Film seine Figuren dafür noch konsequenter aus ihrer persönlichen Situation heraus erzählen. Besonders deutlich wird die Schwäche dort, wo einzelne Symbole die Arbeit der Handlung übernehmen sollen.

Symbole mit Übergewicht

Dazu gehört auch das Fährmann-Motiv. Stuber hat sein Leben damit verbracht, Menschen über einen Fluss zu bringen; nun lebt er in einer Welt, in der derselbe Fluss zur Grenze wird und Menschen nicht mehr hinüberdürfen. Das ist als Ausgangsidee keineswegs verkehrt, im Gegenteil: Der Beruf der Figur verbindet ganz konkret zwei Seiten miteinander und steht damit im direkten Gegensatz zu einer Gesellschaft, die sich zunehmend über Abgrenzung definiert. Nur beharrt der Film etwas zu sichtbar auf dieser Korrespondenz. Der Fährmann soll nicht einfach ein Mann mit einer Vergangenheit sein, sondern zugleich für eine verschwundene Vorstellung von Verbindung stehen. Der Fluss ist nicht nur Landschaft, sondern Grenze, der Zaun nicht nur Hindernis, sondern gesellschaftliches Prinzip. Wo solche Bedeutungen aus dem Geschehen selbst entstehen, sind die Bilder stark. Wo der Film sie zu deutlich ausstellt, verlieren sie etwas von ihrer Wirkung. Morgen war Krieg vertraut seiner Ausstattung und seiner Bildsprache manchmal weniger, als er sollte.

Am Ende bleibt ein Film mit einem wichtigen und drängenden Thema: Wie verändert sich eine Gesellschaft bereits vor dem ersten Schuss, und was geschieht mit dem Einzelnen, wenn die Grenze zwischen moralischer Überzeugung und persönlichem Überleben immer unschärfer wird? Nicolas Ehret findet dafür gerade in der ersten Hälfte starke, verstörende Bilder und entwickelt aus dem nahezu geschlossenen Bildraum eine eindringliche Atmosphäre. Was ihm fehlt, ist weniger eine große Idee als die Konsequenz, diese Idee über die gesamte Laufzeit dramaturgisch weiterzutreiben. So bleibt Morgen war Krieg ein bemerkenswert ambitioniertes Debüt, dessen stärkste Momente immer dann entstehen, wenn es nicht erklärt, was seine Bilder bedeuten, sondern ihnen erlaubt, es selbst zu zeigen.