Regisseurin Randa Chahoud hat nach Abschluss ihres Regiestudiums vor allem für Serien und TV-Produktionen gearbeitet. Nach ihrem englischsprachigen Spielfilmdebüt Nur ein Augenblick (2018) legt sie nun ihren zweiten Kinofilm vor. Identitti beruht auf dem gleichnamigen Roman von Mithu Sanyal. Der humorvolle und visuell einfallsreiche Film erzählt von der indisch-deutschen Studentin Nivedita (Amanda Babaei Vieira), die entdecken muss, dass ihr Idol, die Professorin Saraswati (Stephanie Eidt), nicht die „Person of Colour“ ist, als die sie sich ausgibt. Sondern eine Weiße, die sich ihre indische Identität nur mit Hautverdunklern und Hormonen erschlichen hat. Während Niveditas Freundin und Kommilitonin Oluchi (Zoe Magdalena) keine Sekunde zögert, gegen dieses „Blackfacing“ auf die Straße zu gehen, stürzt Nivedita, die auch als Podcasterin „Identitti“ aktiv ist, in eine tiefe Krise. Auf dem Filmfest München, wo der Film 2026 Premiere feierte, sprachen wir mit Randa Chahoud über das Lebensgefühl benachteiligter Kulturen, den Wechsel von Ernst zu Komik und den besonderen Look des Films.
Was hat Sie bei der Lektüre der Romanvorlage am meisten fasziniert?
Zum allerersten Mal hat jemand mein ganz eigenes Lebensgefühl, das ich von Kindheit her kenne, in Worte gefasst. Ich habe mich gesehen gefühlt im Dazwischen-Sein zwischen zwei Kulturen, von denen die eine eher privilegiert und die andere benachteiligt ist, also nicht etwa englisch-französisch oder holländisch-deutsch, sondern arabisch-deutsch. Ich konnte mich sofort in der Hauptfigur, die sich selbst als „Mixed Race Wonderwomen“ bezeichnet, wiedererkennen – mit ihrer ganzen Verwirrung und den vielen Fragen, die sie an sich selber hat. Hinzu kommt, dass es eine sehr interessante Frage ist, ob man sich eine andere Identität einfach überstülpen kann wie ein Kostüm.
Der Roman hat 432 Seiten. Sein Inhalt musste für das Drehbuch stark gekürzt werden. Eine erste Fassung des Drehbuchs hat Friederike Jehn geschrieben, die auch selbst Regisseurin ist. Was haben Sie als die Vorzüge ihres Drehbuchs empfunden?
Sehr geschätzt habe ich die große Leistung, aus der collagenhaften, atmosphärischen Struktur eine klare, klassische Filmdramaturgie zu bauen. Als ich dann dazukam und wir das Buch weiter entwickelten, haben wir die Themen, die mir persönlich sehr wichtig waren, stärker ausgearbeitet. Da hat uns die Produktion auch viel Freiraum gelassen. Auch danach ging die Drehbucharbeit weiter, weil ich zusammen mit Hauptdarstellerin Amanda Babaei Vieira viel überarbeitet habe. Denn ich glaube, wenn man persönlich von alltäglichem und offenem Rassismus betroffen ist, kann man in die Dialoge noch eine ganz andere Tiefe hineinlegen. Es kam auch vor, dass wir am Set noch improvisiert und Dinge geändert haben.
Welche Themen sind Ihnen am wichtigsten?
Einerseits dieses Lebensgefühl, andererseits die Positionierung der einzelnen Figuren rund um die Frage, ob man sich eine andere Identität einfach aneignen darf. Da geht es nicht um irgendeine Kultur und Identität, sondern um eine benachteiligte und diskriminierte.
Der Roman ist vielschichtig, der Film auch. Wie schwierig war es, die unterschiedlichen Ebenen von theoretischen Debatten, Popkultur, Tanz, Fantasie-Szenen, Social Media und einer Art Heldinnen-Reise unter einen Hut zu bringen? Der Film überspitzt ja einerseits, nimmt seine Themen aber auch sehr ernst.
Für mich war das eigentlich eine Komfortzone. Ich habe von meinen Produzenten Roman Paul und Gerhard Meixner die Freiheit bekommen, sehr intuitiv vorzugehen. Ich musste mich nicht erklären, warum ich dieses oder jenes Stilmittel nutze. Ich habe die Mittel so eingesetzt, wie sie mir für die jeweiligen Szene oder Erzählsequenz richtig erschien. Manches Mittel wiederholt sich – wie das Anwenden von Tanzchoreographien – manches taucht nur einmal auf – wie etwa das Eintauchen in eine Wüstensequenz oder der Schrank ohne Rückwand. In der heutigen Zeit kommt man selten in den Genuss, kreative Mittel unerklärt aus einer Intuition heraus anwenden zu dürfen. Ich habe dieses Arbeitsweise sehr genossen und mein kreatives Team mit mir.
Wie wichtig war Ihnen dabei der Unterhaltungsfaktor?
Sehr. Ich bin selber kein Fan von Filmen, durch die man sich durchquält, weil man weiß, das Thema ist wichtig und man muss das jetzt konsumieren. Ich schlafe dann ein oder schalte weg. Beim Unterhaltungsfaktor geht es für mich nicht darum, etwas zu vereinfachen, es leicht verdaubar oder genießbar zu machen. Sondern ich möchte eine Form finden, die das Publikum bei der Stange hält und es mitreißt, ohne dass das Ganze billig oder fast-food-mäßig wird. Bezogen auf diesen Film: Der Diskurs soll maximal facettenreich und tief geführt werden. Gleichzeitig soll der Film als cineastisches Erlebnis unterhalten.
Trotz ernster Themen ist die Bildsprache des Films farbenfroh und sinnlich. Wie haben Sie mit Kameramann Julian Hohndorf gearbeitet?
Julian, mit dem ich schon oft zusammengearbeitet habe, recherchiert im Vorfeld eines Drehs ungewöhnlich intensiv. Das geht über viele Wochen. Wir schauen unzählige Fotos und alte Filme an. Dabei reden wir über die Handschrift, die wir suchen und von der wir glauben, dass sie genau zum jeweiligen Stoff passt. In diesem Fall gehörte die Idee dazu, auf 16-Millimeter-Film zu drehen. Leider ist das logistisch sehr schwierig und war nicht umsetzbar. Aber wir haben wir den entsprechenden Look so weit wie möglich herzustellen. Dazu gehörte, dass wir sehr alte Kameralinsen benutzten, die uns viel Zeit am Set gekostet haben. Bei einem Objektivwechsel mussten wir zum Teil 20 Minuten warten. Aber visuell hat sich das gelohnt. Insgesamt ist es unsere bisher hellste und farbenfreudigste Arbeit. Das hat sich richtig angefühlt, denn wir wollten, dass es ein umarmender Film wird. Der Roman endet mit dem Satz „Let love flow like a River“. Natürlich gibt es Schmerz, Hass und Konflikt. Aber es gibt eben auch Licht und ich glaube daran, dass wir es finden.
Inhaltlich geht es um einen Skandal, der auch in den Nachrichten vorkommen könnte beziehungsweise in anderer Form auch in den Nachrichten vorkam. Eine Person hat geschummelt und sich als Person of Colour ausgegeben, obwohl sie weiß ist. Reflexartig würde man sagen, das geht gar nicht. Aber der Film ist differenzierter. Zumindest die Hauptfigur ringt mit unterschiedlichen Antworten. Hatten Sie mal Angst, dass Sie sich zwischen alle Stühle setzen und sowohl von links wie von rechts angefeindet werden?
Ich bin sehr neugierig und zwischen den Stühlen sitzen hat manchmal etwas Horizont erweiterndes. Sehr viele Menschen haben ja sehr schnell eine Meinung zu allem. Im Film ist es auch so, mit Ausnahme der Hauptfigur Nivedita. Natürlich ist Nivedita im Grunde derselben Meinung wie ihre radikalere Kommilitonin Oluchi: Man darf sich eine benachteiligte Kultur nicht aneignen. Diskriminierungserfahrungen werden über Generationen weitergegeben. Das hast du in den Knochen. Sich diese Kultur überzustülpen wie ein Kostüm ist anmaßend und respektlos. Da ist Nivedita derselben Meinung wie Oluchi. Aber was Nivedita darüber hinaus umtreibt, ist die Frage: Wie kann es sein, dass diese Professorin uns so gestärkt hat und uns derart hat wachsen lassen, als wir von ihrer Täuschung noch nichts wussten? Da spielt die Frage hinein, warum wir keine eigenen Vorbilder haben. Warum haben wir Saraswati gebraucht, um uns zu spüren? Das ist auch schambehaftet. Am Ende sind wir People of Colour Teil eines Apparats, der zum Teil auch darauf basiert, dass man sich nicht traut, Vorbild zu sein. Plötzlich kommt jemand, der diesen Platz einnimmt – und schon wieder ist es eine Weiße. Ich glaube, das ist es, was die Auseinandersetzung facettenreich macht.
Trotzdem fand ich erstaunlich, wie ernst die Argumente und Rechtfertigungsversuche von Saraswati genommen werden.
Ich versuche grundsätzlich, jemanden, den ich vielleicht persönlich ablehne und als Antagonisten betrachte, trotzdem in dem, was er tut, so darzustellen, dass er in seiner Emotionalität und Weltsicht vollkommen nachvollziehbar ist. Ich will spüren, wie Saraswati tickt in all ihren Facetten. Ebenso will ich zeigen, dass solche Leute zwar falsch handeln, aber trotzdem sehr scharfsinnig und intelligent sein können. Natürlich habe ich kein Mitleid mit ihr und teile auch nicht ihre Sichtweise.
Wir leben in aufgeheizten, polarisierten Zeiten. Ihr Film plädiert für Solidarität und für das Überwinden von Gräben. Wie viel Hoffnung haben Sie, dass wir das auch in der Realität wieder stärker erleben dürfen?
Wenn ich denken würde, dass wir schon so weit wären, würde ich diese Botschaft nicht rausschicken. Ich glaube, es gibt eine junge Generation von PoCs, die sagt: Keine Form von rassistisch motivierter Aggression ist duldbar, auch Mikroaggressionen nicht. Punkt. Dieser Generation möchte ich eine Stimme geben. Wir müssen aufhören, Rassismus hinzunehmen und zu verharmlosen, egal in welcher Form. Die ältere Generation hatte noch die Haltung: Du musst deine Würde selber herstellen. Geh‘ da erhobenen Hauptes durch. Lass dich nicht bewerten und herabwürdigen. Der Satz, den Niveditas Vater sagt: „Sie wollen. dass ich mich als Opfer fühle – den Gefallen tue ich ihnen nicht.“ ist ein Satz, den ich aus der Community meines Vaters öfters gehört habe. Das ist eine berechtigte Überlebensstrategie. Aber die junge Generation geht da anders ran. Sie wollen Bewusstsein schaffen. Dafür, wie viele alltägliche Diskriminierungen in unserem Alltag geschehen, bei denen den Betroffenen das Gefühl vermittelt wird, sie seien nicht „richtig“. Es ist noch ein weiter Weg, aber es gibt schon Fortschritte und die Hoffnung ist groß. Deswegen habe ich für das Ende des Films eine helle lebensbejahende Szene gewählt.
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