Kurz vor der Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Cannes sprechen Havanna Rose Liu und Kristine Froseth über ihre Rollen in Her Private Hell, die unkonventionelle Zusammenarbeit mit Nicolas Winding Refn und ihre eigenen Interpretationen des abstrakten Films.
Wie vertraut wart ihr mit Nicolas Winding Refns Arbeit, bevor ihr zu dem Film gekommen seid?
Havanna Rose Liu: Ich hatte Drive und Bronson gesehen und ihn schon immer für einen faszinierenden Autorenfilmer gehalten.
Hast du die Pusher-Trilogie gesehen?
Havanna: Tatsächlich noch nicht.
Kristine Froseth: Ich habe mit der Pusher-Trilogie angefangen, danach kamen Bronson, Drive und The Neon Demon. In der Vorbereitung haben wir uns auch seine Fernsehserie angesehen.
Ihr wusstet also, worauf ihr euch einlasst?
Havanna: So ungefähr.
Kristine: Aber bei Nic kann man sich nie wirklich sicher sein, worauf man sich einlässt.
Wie viel hat euch das Drehbuch verraten? Hattet ihr bei einer so ungewöhnlichen Geschichte alle Informationen, die ihr gebraucht habt?
Havanna: Das Drehbuch wurde jeden Tag umgeschrieben. Anfangs hatten wir eine Vorstellung davon, welche Archetypen und Themen eine Rolle spielen könnten. Aber letztlich hat Nic jeden Tag gemeinsam mit uns daran weitergeschrieben. Je nachdem, wie die vorherige Szene ausgefallen war, überlegte er, wohin sich der Film entwickeln würde.
Ist das als Schauspielerin aufregend oder eher beängstigend?
Havanna: Auf jeden Fall beängstigend, aber auch eine unglaublich schöne Herausforderung. Man kann nicht so planen wie bei einem Film mit einem feststehenden Drehbuch. Man befindet sich beinahe in einem Open-World-Videospiel. Wenn ich etwas Bestimmtes mache, was bedeutet das später für unsere Dynamik?
Es war ein sehr seltsamer und organischer Erzählprozess. Sowohl für uns als einzelne Figuren als auch gemeinsam als Gruppe versuchten wir zu verstehen, welche Themen wir erkundeten. Wenn unsere Dynamik innerhalb dieses Dreiecks auf eine bestimmte Weise funktionierte oder ich dich an einer Stelle ohrfeigte und an einer anderen küsste, was bedeutete das für den weiteren Verlauf der Geschichte?
Wenn Filmschaffende euch zum ersten Mal von einem Projekt erzählen, erklären sie oft dessen persönliche Bedeutung. Vielleicht geht es um etwas aus ihrer Kindheit oder eine Verbindung zu ihrer Mutter. Wie ist es, wenn ein Regisseur euch erzählt, er sei 25 Minuten lang tot gewesen und müsse jetzt diesen Film machen?
Kristine: Wunderschön. Er sagte, er habe gespürt, dass seine jüngste Tochter noch nicht bereit gewesen sei, ihn gehen zu lassen, und er habe zurückkommen müssen. Das fand ich so schön. Er meinte, alle anderen würden zurechtkommen. Nicht wirklich gut, aber vielleicht einigermaßen. Seine jüngste Tochter habe ihm dagegen gesagt, er müsse zurückkommen. Das ist mir sehr im Gedächtnis geblieben.
Hat sie ihm das gesagt, nachdem er zurückgekommen war?
Kristine: In seinem Kopf. Er sagte, er habe es gesehen und gehört. Es ist seine Geschichte, die er selbst erzählen muss, aber das hat er mit uns geteilt.
Welche Anhaltspunkte hat er euch für eure Figuren gegeben? Gab es bestimmte Archetypen oder Ideen, mit denen ihr arbeiten solltet?
Havanna: Wir bekamen tatsächlich ein vollständiges Drehbuch nach Hause geliefert, hatten drei Stunden Zeit, es zu lesen, und dann wurde es wieder abgeholt. Eine ziemlich coole Spionageaktion. Ich denke, das Drehbuch vermittelte ein gutes Gefühl für die Dynamiken, die er erkunden wollte.
Wenn man den Film als Gegenüberstellung verschiedener Elemente betrachtet, Gut und Böse, Licht und Dunkelheit, Opfer und Held, und darauf schaut, wie sie ineinander übergehen, dann waren diese Elemente bereits in der geschriebenen Fassung vorhanden. Seit diesem ersten Entwurf hat sich viel verändert. Aber diese Kernelemente sind relativ gleich geblieben: unser Schwarz-Weiß-Denken infrage zu stellen und alles auf diese irgendwie neblige Weise um Nuancen zu erweitern.
Schönes Wortspiel.
Havanna: Zum Glück hast du es verstanden.
Kristine: Selbst als ich vor Kurzem mit ihm gesprochen habe, sagte er, er habe erst drei Tage zuvor das Gefühl gehabt, selbst zu verstehen, worum es gehe. Wir saßen beim Mittagessen und er erzählte mir all diese Dinge. Plötzlich setzte sich für mich einiges zusammen. Als ich das Drehbuch für diese drei Stunden bekam, habe ich es dreimal gelesen und nicht verstanden. Ich habe den Film gedreht und ihn nicht wirklich verstanden. Dann habe ich ihn mir noch einmal angesehen.
Und dann hast du ihn verstanden?
Kristine: Na ja, ich hatte meine eigene Interpretation. Genau das ist ja so aufregend. Ich hatte das Gefühl, zu verstehen, was er uns hatte entdecken lassen wollen.
Könnt ihr eure Interpretation mit mir teilen?
Havanna und Kristine: Nur, wenn wir zuerst deine hören dürfen.
Die Vater-Tochter-Beziehung scheint eines der zentralen Elemente zu sein. Mutterschaft und Freundschaft ebenfalls. Außerdem geht es darum, durch die Hölle zu gehen, um etwas wiederzufinden, das man verloren hat oder nur verloren zu haben glaubt. In dieser Hinsicht wirkt es sehr griechisch, auch mit Blick auf Orpheus. Sehr romantisch. Mich hat es an das Ende von Copenhagen Cowboy erinnert. Man beginnt mit einer sehr konkreten Geschichte, aber daraus entwickelt sich dieser mystische Kampf zwischen Gut und Böse.
Kristine: Danke, das sehe ich auch so. Ich denke, letztlich geht es um Liebe und darum, den Kreislauf des Traumas zu durchbrechen, statt in die Vergangenheit zurückzukehren. Wobei ich bewundere, wie sehr die beiden versuchen, diese Liebe wiederzufinden.
Ich hoffe wirklich, dass Elle am Ende nicht als Leather Girl weitermacht. Ich hoffe, sie durchbricht den Kreislauf. Wenn sie in der letzten Szene die Liebe sieht, die Charles’ Figur für seine Tochter empfindet, spürt sie meiner Meinung nach zum ersten Mal die Liebe, der sie den ganzen Film über hinterherjagt. Ich hoffe, sie kann ein schönes neues Kapitel beginnen und mit Liebe nach vorne blicken.
Und wie sieht deine Interpretation aus?
Havanna: Ich liebe ihre Interpretation. Was mir an diesem Film am besten gefällt, ist, dass er sich wie ein Traum anfühlt. Menschen und Symbole nehmen im Verhältnis zueinander mehrere Rollen ein. Ich spiele die beste Freundin, die Geliebte, die Mutter einer Person. Die Rollen, die die einzelnen Figuren im Verhältnis zu den zentralen Charakteren einnehmen, sind unglaublich komplex. Manchmal sind die symbolischen Dinge, die dieser Traum erkundet, wichtiger als das, was die Handlung erzählt oder tut. Vielleicht ist es schon der falsche Ansatz, mit der Erwartung einer konventionellen Geschichte in diesen Film zu gehen.
Es gibt keinen falschen Zugang, aber es ist eben ein Erlebnis. Nic kommt aus der bildenden Kunst und arbeitet mittlerweile auch an Installationen. Wenn man den Film als Installation betrachtet und sich offen darauf einlässt, gelangt man in einen stärker vom Unterbewusstsein geprägten Raum. Man betrachtet diese Menschen in ihren Beziehungen zueinander. Es geht um den Elektrakomplex und die Vielschichtigkeit von Weiblichkeit: Eifersucht, Liebe, Verwirrung. Um die Frage, ob man die andere Person sein oder sie lieben möchte. Das ist sehr archetypisch. Es ist keine realistische Darstellung weiblicher Freundschaft, spiegelt aber wider, wie wir solche Beziehungen philosophisch und psychologisch untersucht haben.
Dasselbe gilt für Hypermaskulinität. Da stellt sich die Frage, ob man der Held oder der Bösewicht ist, wenn man auf der Suche nach etwas Großem alle umbringt. Wie definieren wir Heldentum heute? Wenn man seine Auseinandersetzung mit diesen Dingen als Meditationen über die Symbole unserer heutigen Welt betrachtet, wirkt der Film eher wie ein kollektiver Traum darüber, wo wir als Gesellschaft stehen. Dann braucht es auch nicht unbedingt eine klare, prägnante Handlung.
Und das Publikum kann seine eigenen Erfahrungen einbringen.
Havanna: Ja, genau. Letztlich kann man auf eine dunkle, fantastische Weise etwas damit anfangen. Es muss keine direkte Entsprechung geben. Wir alle gehen Beziehungen ein. Wir alle sehnen uns nach etwas. Wir alle brauchen Liebe, wünschen uns Liebe, finden Liebe und stellen fest, dass es nicht die richtige ist. Wir alle suchen sie an den falschen Orten. Überall stecken kleine Wahrheiten, auch wenn sie nicht konkret greifbar sind. Ich würde sagen, das wirkt eher unterschwellig.
Apropos ungewöhnliche Beziehungen: Hättest du damit gerechnet, schon so früh in deiner Karriere eine Stiefmutter zu spielen?
Havanna: Oh ja, meine Traumrolle! Nein, Spaß beiseite. Ich war aber definitiv überrascht davon, wie moralisch ambivalent Dominique ist. Als wir sie genauer betrachteten und uns mit dem Dreieck zwischen den Mädchen beschäftigten, ging es darum, jemanden zu spielen, der sehr mütterlich und in mancher Hinsicht alt ist, zugleich aber auch jung. Sie lebt in dieser Grauzone zwischen den Dingen. Sie ist Mutter, Kind, Geliebte. Irgendwie vereint sie so viele gegensätzliche Elemente. Das war sehr seltsam.
Kostümanproben dauern normalerweise vielleicht einen Tag. Wie lange hat dieser Prozess bei diesem Film gedauert?
Kristine: Wir hatten mehrere Anproben. Es gab viele Moodboards. Das ist schon Jahre her. Für mich gingen die Anproben sehr schnell vorbei. Vielleicht liegt es daran, dass der Dreh so langsam war. Es gab so viel Stillstand, dass sich alles davor sehr schnell angefühlt hat.
Havanna: Ich glaube, ich hatte nur zwei Tage. Wir haben den Zuckerwatte-Look, das Make-up und die Outfits ein paarmal verändert. Ich habe das Gefühl, dass wir uns vorher fast zwei Wochen mit diesen Dingen beschäftigt haben. Verglichen mit dem Drehprozess wirkt das aber sehr kurz.
Warum hat sich der Dreh so langsam angefühlt?
Kristine: Wir haben hauptsächlich in seinem Studio gedreht. Morgens machte man sich ganz typisch skandinavisch sein eigenes Sandwich und wir saßen alle zusammen. Es war gemütlich und schön. Dann ging man durch die Tür ans Set, mit seiner Beleuchtung, der Dunkelheit und der Musik, und betrat diese Welt, in der die Realität nicht mehr ganz gegenwärtig schien. Es gab kein Zeitgefühl. Ich kam hinein und wurde hineingesogen. Es war wie eine lange Meditation. Dann kam man wieder heraus und bemerkte plötzlich die Sonne. Alles war so still und bewusst gestaltet. Ich bewege mich viel und er erinnerte uns ständig an die Bedeutung von Stillstand und daran, dass nichts alles sei. Vor dem Dreh wiederholte er, nichts sei alles. Ich fragte mich, was das bedeuten sollte. Ich verstand es nicht.
Havanna: Die erste Woche war unsere persönliche Hölle.
Kristine: Ja! In der ersten Woche fragte ich ständig, was das bedeuten sollte und was wir da eigentlich machten.
Havanna: Es war so beängstigend. Dann gerieten wir langsam in eine Art Trance. Sobald man es verinnerlicht hatte, verstand man: Wenn man seine Zweifel beiseiteschob und den Ton des Films akzeptierte, konnte man erkunden, was wir dort eigentlich machten. Das wurde sehr interessant.
Außerdem waren viele Kostüme sehr steif. Wir sprachen darüber, dass wir uns beinahe wie Objekte fühlen sollten. Wie Actionfiguren. Wie Puppen.
Kristine: Ja, wie Puppen. Durch die Bewegungslosigkeit und die Steifheit der Kostüme fühlte es sich an, als hätten wir diese Puppenwelt betreten.
Konntet ihr etwas von euch selbst, von euren Persönlichkeiten, in diese Puppen einbringen?
Kristine: Ich glaube, etwas von einem selbst bringt man immer mit. Als er anfangs über Zoom mit uns über die Rollen sprach, war es beinahe wie ein Persönlichkeitstest. Bis zu einem gewissen Grad hat er dann, glaube ich, mit unseren Eigenschaften gearbeitet.
Havanna: Bei Dominique hoffentlich nicht!
Kristine: Doch, das Besondere an Dominique ist, dass sie voller Liebe steckt. Und das bist du auch. Dazu kommt ihre Vernunft. Du bist die Kluge.
Havanna: Oh, das ist verrückt. Das stimmt überhaupt nicht. Aber danke, Kristine.
Kristine: Du bist außerdem die Einzige, die erkennt, dass Leatherman niemand ist, zu dem man sich hingezogen fühlen sollte, und auch nichts, das der Unterhaltung dient. Weißt du, was ich meine?
Havanna: Danke. Schau dir das an. Ich gewinne hier selbst gerade so viele neue Erkenntnisse.
Ihr habt gesagt, dass das Drehbuch jeden Tag umgeschrieben wurde. Gab es Tage, an denen ihr etwas gedreht und anschließend verworfen habt, weil Nic am nächsten Morgen entschied, dass ihr einen anderen Ansatz braucht?
Havanna: Das weckt vage die Erinnerung daran, dass so etwas passiert sein könnte. Aber ehrlich gesagt war alles so fließend, dass ich mich kaum noch daran erinnere.
Kristine: Manchmal sagte er einfach, er glaube, ich könnte an diesem Tag sterben. Dann flehte ich darum, dass es bitte noch nicht so weit sei.
Havanna: Diese Bedrohung schwebte ständig über uns. Man konnte rausfliegen wie bei Survivor, nur dass man hier umgebracht wurde. Nein, aber es ging eher darum, etwas zu drehen, zu verstehen, was daraus geworden war, und dann herauszufinden, wie es weiterging. Denn dadurch hatte sich alles verändert.
Er hat vor Kurzem über die Szene bei Elles Geburtstagsfeier gesprochen. Im Drehbuch gab es eine unterschwellige Dynamik, die noch keine von uns wirklich erfasst hatte: Dominique deutet an, zwischen ihr und Elle sei in der Vergangenheit etwas Romantisches oder Sexuelles passiert. Nach der Szene stellte sich die Frage, wie es weiterging, weil wir nun dieses unterschwellige Element hatten, das sich entwickeln musste. Das entstand aus einer Regieanweisung, die er uns an dem Tag gab. Wir sollten uns vorstellen, in der Vergangenheit sei etwas passiert. Von da aus machten wir weiter.
Dann gab es die Anprobenszene, in der wir auf den Podesten stehen und sie von der Nadel gestochen wird. Nic sprach darüber, wie opernhaft diese Szene sei. Ihr Ton war so opernhaft, dass man danach nicht einfach zu einer Szene zurückkehren konnte, in der wir überlegten, was wir als Nächstes anziehen. Von diesem Punkt aus musste es weitergehen. Die Idee, die Dinge sich weiterentwickeln zu lassen, statt etwas zu verwerfen, war ein wesentlicher Teil des Prozesses.
Vielen Dank.
Ahead of the world premiere at the Cannes Film Festival, Havanna Rose Liu and Kristine Froseth discuss their roles in Her Private Hell, their unconventional collaboration with Nicolas Winding Refn and their own interpretations of the abstract film.
How familiar were you with Nicolas Winding Refn’s work before joining the film?
Havanna Rose Liu: I had seen Drive and Bronson, and I’d always thought of him as a fascinating auteur.
Have you seen the Pusher trilogy?
Havanna: I actually haven’t.
Kristine Froseth: I started with the Pusher trilogy, then went on to Bronson, Drive and The Neon Demon. We also watched his TV show while we were preparing.
So you knew what you were getting into?
Havanna: We kinda did.
Kristine: But you can never really be sure what you’re getting into with Nic.
How much did the script tell you? With such an unusual story, did you have all the information you needed?
Havanna: The script was rewritten every day. We had an initial understanding of what the archetypes and themes might be, but ultimately, Nic would rewrite with us every day, figuring out where the film would go based on how the previous scene had played out.
Is that exciting for an actor, or is it daunting?
Havanna: Daunting, for sure, but also an incredibly wonderful challenge. You can’t plan things the way you would with a film that has a locked script. You’re almost in an open-world video game. If I do this, what does that mean for our dynamic further down the line?
It felt like a very strange and organic storytelling process, both individually as characters and collectively as a group, trying to understand the themes we were exploring. If our dynamic within this triangle was a certain way, or if I slapped you here or kissed you there, what did that mean for the narrative moving forward?
When filmmakers first talk to you about a project, they often explain its personal significance, perhaps something from their childhood or a connection to their mother. What is it like when a director tells you he was dead for 25 minutes and this is the film he needs to make now?
Kristine: So beautiful. He said he felt his youngest daughter wasn’t ready for him to leave and he had to come back. That was so beautiful to me. He said everyone else would be fine. Not really fine, but maybe okay. But his youngest daughter was telling him he had to come back. That really stayed with me.
Did she say that after he came back?
Kristine: In his mind. He said he saw it. He heard it. That’s his story to share, but that’s what he shared with us.
What starting points did he give each of you for your characters? Were there particular archetypes or ideas he wanted you to work with?
Havanna: We did have a full script, which was delivered to our homes for us to read within three hours and then taken away. A very cool spy-like thing to do. I think the script gave you a good sense of the dynamics he was exploring. If you look at the film as a juxtaposition of elements, good and evil, light and dark, victim and hero, and how they spiral into each other, those same elements were present in the written version. It has changed a lot since that initial draft, but those key elements have remained relatively consistent: challenging our black-and-white thinking and adding nuance in this sort of misty way.
Nice pun.
Havanna: God, you got it!
Kristine: Even when I spoke to him recently, he said he’d only felt he understood what it was about himself three days earlier. We were having lunch and he told me all these things, and I was suddenly putting things together. When I received the script for those three hours, I read it three times and didn’t understand it. I shot the film and didn’t really understand it. Then I watched it again.
And then you did?
Kristine: Well, my own interpretation, which is what’s so exciting. I felt I understood what he was trying to guide us towards finding.
Can you share your interpretation?
Havanna & Kristine: Only if we can hear yours first.
The father-daughter relationship seems to be one of its central elements. Motherhood and friendship, too. And going through hell to find something you’ve lost, or something you only think you’ve lost. It feels very Greek in that sense, also regarding Orpheus. Very romantic. It reminded me of the ending of Copenhagen Cowboy. You begin with a very concrete story, but it develops into this mystical struggle between good and evil.
Kristine: Thank you, I agree and I think it’s ultimately about love and breaking the cycle of trauma, rather than returning to the past. Although I admire that they’re both trying so hard to find that love again. I really hope Elle doesn’t continue as Leather Girl in the end. I hope she breaks the cycle. In the last scene, when she sees the love Charles’ character has for his daughter and witnesses that, I think she feels the love she’s been chasing throughout the film for the first time. I hope she can begin a good new chapter and move forward with love.
And what’s your interpretation?
Havanna: I love hers. My favourite thing about this film is that it feels like a dream. There are people and symbols playing multiple roles in relation to each other. I play someone’s best friend, their lover, their mother. There’s so much complexity in the roles each character plays in relation to the central characters. Sometimes, the symbolic things the dream is exploring are more important than what the plot is saying or doing. Even entering this film expecting a conventional story might be the wrong way to approach the experience.
There’s no wrong way, but it is an experience. Nic comes from a fine art background and he’s making installation works now. If you approach this as an installation and enter it openly, you enter a more subconscious space. You’re looking at these people in relation to each other, exploring the Electra complex and the complexities of femininity: jealousy, love, confusion. Do I want to be you? Do I want to love you? It’s very archetypal. It isn’t a realistic depiction of female friendship, but it reflects ways we’ve examined those relationships philosophically and psychologically. The same goes for hypermasculinity. Am I the hero or the villain? I’m killing everyone in pursuit of something great. What is our definition of heroism today? If you look at the things he’s exploring as meditations on the symbols of our current world, it feels more like a collective dream about where we are as a society than something that needs to be a clear, concise storyline.
And viewers can bring their own experiences to it.
Havanna: Yes, exactly. Ultimately, these things are relatable in some dark, fantastical way. There doesn’t have to be a direct correspondence. We all enter relationships. We all long for things. We all need love, want love, find love and discover it isn’t the right love. We all look for it in the wrong places. There are bits of truth everywhere, even if they aren’t concrete. I’d say it’s more subliminal.
Speaking of unusual relationships, did you expect to play a stepmother this early in your career?
Havanna: Oh yes, my dream role! I am kidding, no, I was definitely surprised by how morally ambiguous Dominique was. When we were breaking her down and looking at the triangle between the girls, it was about playing someone who is very maternal and old in some ways, but also young. She lives in this grey space between things. She’s a mother, a child, a lover. Somehow, she’s a mixture of so many opposing elements. It was very strange.
Costume fittings might normally take a day or so. How long did that process take on this film?
Kristine: We did a few fittings. There were lots of boards. It was years ago. For me, the fittings happened so quickly. Maybe that’s because the shooting was so slow. There was so much stillness that everything beforehand felt really quick. I think I only did two days. We changed the candy-floss look, the makeup and the outfits a few times. I feel like we worked on those things for almost two weeks beforehand, but it does feel very quick compared with the shooting process.
What made the shooting feel so slow?
Kristine: We mostly shot at his studio. In the morning, in a very typical Scandinavian way, you’d make your own sandwich and we’d all sit together. It was cosy and nice. Then you’d go through the door onto the set, with its lighting, darkness and music, and enter this world where reality didn’t quite feel present. There was no concept of time. I’d come in and get sucked into it. It was like a long meditation. Then you’d come back out and suddenly notice the sun. Everything was so still and intentional. I move a lot, and he would constantly remind us about stillness and tell us that nothing is everything. Before we shot, he’d say it again: “Nothing is everything.” And I’d wonder what that meant. I didn’t understand.
Havanna: The first week was our private hell.
Kristine: Yes! During the first week, I kept asking what it meant and what we were doing.
Havanna: It was so scary. Then, slowly, we entered this sort of trance. Once it sank into your bones, you understood that if you suspended disbelief and accepted the tone of the film, you could start exploring what we were doing there. It became very interesting. Also, a lot of the costumes were very rigid. We talked about how we were almost supposed to feel like objects. Like action figures. Like dolls.
Kristine: Yes, like dolls. The stillness and the stiffness of the costumes made it feel as though we’d entered this doll world.
Could you bring something of yourselves, your personalities, into those dolls?
Kristine: I think something of yourself always comes with you. When he first interviewed us for the roles over Zoom, it was almost like a personality quiz. To some degree, I think he then worked with our traits.
Havanna: I hope not with Dominique!
Kristine: No, the thing about Dominique is that she’s filled with so much love, and that is you. And rationality. You are the smart one.
Havanna: Oh, that’s insane. That’s not true at all. But thank you Kristine.
Kristine: You’re also the only one who realises Leatherman isn’t someone to be attracted to or something to find entertaining. You know what I mean?
Havanna: Thanks. Look at this, guys. I’m getting so much insight.
You said the script was rewritten every day. Were there days when you shot something and then discarded it because Nic decided the next morning that you needed a different approach?
Havanna: That vaguely brings back a memory of something like that happening, but honestly, everything was so amorphous that I almost don’t remember.
Kristine: Sometimes he’d just say he thought I might die that day, and I’d be pleading for it not to happen yet.
Havanna: That was the looming threat. You could be killed off, like on Survivor. No, but it was more about having shot something, understanding what it had become and then figuring out where to go next, because it had changed everything.
He recently discussed Elle’s birthday party scene. There was an underlying dynamic in the script that none of us had really tapped into: Dominique insinuating that something romantic or sexual had happened between her and Elle in the past. After the scene, the question became where we went from there, because now we had this underlying element that needed to develop. That came from a note he gave us on the day, asking us to imagine something had happened in the past. We took it from there.
There was also the fitting scene where we’re standing on the podiums and she gets pricked by the needle. Nic talked about how operatic that scene was. Tonally, it was so operatic that you couldn’t then return to a scene of us simply deciding what to wear next. It had to keep moving forward from that point. The idea of allowing things to progress, rather than throwing anything away, felt like a big part of the process.
Thank you very much.
(Anzeige)