Space Cadet erzählt die Geschichte von Celeste, die schon als Kind davon träumte, ins All zu fliegen. Nun ist aus ihr eine junge Frau geworden, deren Traum sich erfüllt. Während sie ein neues Abenteuer startet und sich mit ihrer Vergangenheit auseinandersetzen muss, sieht ein anderer einer ungewissen Zukunft entgegen: ihr Roboter. Er hatte sie großgezogen, war immer an ihrer Seite und steht auf einmal ohne Aufgabe da, als sie das Zuhause verlässt. Wir haben Regisseur Eric San, auch bekannt als Kid Koala, während der Weltpremiere auf der Berlinale 2025 gesprochen. Im Interview verrät er uns mehr über die zugrundeliegende Graphic Novel, welche Herausforderungen es gab und welche Bedeutung Technologie für ihn hat.
Space Cadet basiert auf deiner Graphic Novel, die 2011 veröffentlicht wurde. Erinnerst du dich noch daran, wie du auf die Idee zur Graphic Novel gekommen bist?
Oh ja! Es war dieser entscheidende Moment in meinem Leben. Wir hatten gerade ein paar Familienmitglieder verloren, darunter auch meine Großmutter, die mir sehr am Herzen lag. Das brachte meinen Kopf ein wenig durcheinander. Während ich das durchlebte, warteten wir auf die Ankunft unserer ersten Tochter. Also war ich kurz davor, frischgebackener Elternteil zu werden. Aber dann schwelgte ich in Erinnerungen und fühlte mich nostalgisch an meine Erfahrungen mit meiner Großmutter und dachte auch an meine Kindheit mit diesen gemeinsamen Momenten zurück, an scheinbar unbedeutende kleine Interaktionen mit meinen Eltern, die meine Sichtweise und Perspektive auf die Welt wirklich veränderten. Als ich mich an all die Zeiten erinnerte, die etwas ganz Besonderes für mich waren, und dann darüber nachdachte, wie ich diese mit meinem eigenen Kind teilen kann, wurde in mir auch Vorfreude auf die Zukunft geweckt. Diese Idee von Zeit und gemeinsamen Momenten war wirklich ein zentraler Grund für die Inspiration für die Graphic Novel und auch eine Möglichkeit für mich, mit dem Verlust von Familienmitgliedern umzugehen, sodass es sich weniger trostlos anfühlt und mehr eine Feier dessen ist, woran ich mich erinnere, und all der Dinge, über die ich so glücklich bin, dass ich sie mit ihnen teilen konnte, als sie hier waren.
Und warum dann so viele Jahre später daraus einen Film machen?
Tatsächlich machten wir gleich nach der Veröffentlichung des Buches im Jahr 2011 eine Konzerttournee mit dem Buch und ich spielte Musik aus dem Soundtrack, der tatsächlich in der Graphic Novel enthalten war. Als wir bei der Show in Montreal auftraten, traf ich zum ersten Mal Nathalie Bissonnette und Ginette Petit. Sie waren bei einer unserer Buchvorstellungsshows in Montreal dabei und kontaktierten mich vielleicht zwei Wochen danach und boten mir an, aus dem Buch einen Film zu machen. Ich hatte also nicht die Vision, das zu tun. Ich denke, in gewisser Weise ist das Buch wie ein Storyboard durch einen imaginären Stummfilm oder so etwas. Aber ich komme aus der Musikwelt, daher sind meine Produktionsbudgets viel geringer. Aber sie sahen Potenzial in einer Filmarbeit. Deshalb muss ich diesen beiden Anerkennung zollen.
Und war es schon immer geplant, dass du Regie führst? Du hättest deine Geschichte auch jemand anderem als Regisseur geben können, zumal du noch nie zuvor einen Film gedreht hast.
Das stimmt. Außerdem bin ich ziemlich beschäftigt mit meiner Musik, der Veröffentlichung von Alben, der Aufführung von Theateraufführungen usw. Aber ich denke, dass es Jeanette wichtig war, dass ich Regie führe. Sie sagte, dass mir die Geschichte so am Herzen liegt, dass sie mir die Gelegenheit dazu geben wollte. Ich war mir noch nicht sicher, ob ich bereit war, aber ich habe es versucht. Immer wenn ich diese Momente in meinem Leben erlebe, in denen ich sehe, wie sich eine Tür öffnet, ist das zunächst ein wenig beängstigend, aber es lohnt sich, etwas Neues auszuprobieren. Ich habe bei der Arbeit sehr viel gelernt, weil die Animatoren mit mir über Begriffe wie „Frames“ gesprochen haben, was für mich völlig neu war. Wie viele Frames wird der Roboter brauchen, um das zu schaffen und hier durchzukommen? Und so dauerte es eine Weile, bis ich mit dem Erlernen dieser Sprache begann, und ich versuchte, so viel wie möglich von all diesen talentierten Künstlern zu lernen.
Dann lass uns über den Inhalt sprechen. In den letzten Jahren gab es viele Filme über Menschen und ihr Verhältnis zur Technik. Diese wurden hauptsächlich aus der Sicht der Menschen erzählt und wie sie auf Technologie reagieren. In deinem Film gibt es beides, wir haben die Situationen mit Celeste, die oben am Himmel ist, aber es gibt auch viele Situationen mit dem Roboter. Warum wolltest du die Geschichte aus Sicht des Roboters erzählen, anstatt nur den Celeste-Teil zu erzählen?
Als wir darüber nachdachten, den Roboter zu entwerfen, waren die Animatoren sehr begeistert: „Oh, es ist ein Roboter, er kann alles, sein Kopf kann sich um 360 drehen, seine Arme können alles mögliche.“ Aber dann sagte ich, es geht nicht wirklich darum, dass er ein Superroboter ist. Es geht mehr um ihre Verbindung und ihre Interaktionen, denn ihre Geschichte ist eine Metapher für die Beziehung zwischen einem Elternteil und einem Kind. Eigentlich zeichne ich Roboter. Aber ich betrachte es nie als Technologie. Sogar im Originalbuch habe ich grundsätzlich als Charakter geschrieben, fast als Mensch,. Wenn Celeste für einen Großteil des Films mit ihrem Raumschiff zu weit entfernten Galaxien fliegt und er auf der Erde zurückbleibt, tauchen parallel dazu täglich Fragen auf wie: Was mache ich hier? Wie fülle ich meinen Tag? Was ist der Zweck des Ganzen? Es ist wie ein Empty-Nest-Syndrom. Er ist ein Roboter, der für die Erziehung eines Kindes konzipiert wurde. Aber jetzt, wo sie erwachsen ist und ihr eigenes Leben begonnen hat, muss er eine neue Art finden, sich auszudrücken, eine neue Art, zu seinem Leben und seiner Umgebung beizutragen, oder eine neue Inspiration. Und das fand ich einfach spannend.
Du hast bereits erwähnt, dass die Situation des Roboters der Situation eines Elternteils sehr ähnlich ist. Warum hast du dich überhaupt für einen Roboter entschieden? Du hättest ein normales Drama über einen Elternteil drehen können, der versucht, herauszufinden, was er jetzt tun soll.
Darauf gibt es eine ganz einfache Antwort: Es ist viel einfacher, einen Roboter zu zeichnen. Ich habe Freunde, die Aktzeichnungen machen, und sie erklärten mir, dass es allein im menschlichen Gesicht Dutzende von Muskeln gibt, die man kontrollieren muss, nur um bestimmte Dinge auszudrücken. Ein Roboter hat keine Augenbrauen oder große, dehnbare Bewegungen. Aber man kann trotzdem eine berührende Geschichte erzählen. Das habe ich gelernt, als ich meine erste Graphic Novel Nufonia Must Fall in eine Theatershow mit Puppen verwandelte. Puppen haben auch keine Augenbrauen und so, aber die kleinste Neigung des Kopfes kann tatsächlich eine Menge Emotionen auslösen. Wenn man es mit einem Film ohne Dialoge zu tun hat, schaut man ihn sich an und versucht, dieses kleine Rätsel zu lösen und eine Beziehung dazu aufzubauen. Manchmal vertieft man sich vielleicht in seine eigenen Erinnerungen und Erfahrungen und sagt: „Oh ja, ich erinnere mich an einen Moment, in dem ich mich so gefühlt habe.“ Es ist eine andere Art, eine Geschichte zu erzählen, als dem Publikum durch Dialoge zu sagen, was ich fühle. Ich wollte dem Publikum Raum lassen, ein wenig seine eigene Geschichte einzubringen.
In deinem Film ist der Roboter ein Begleiter des Protagonisten, und es gab auch andere Filme zu diesem Thema, in denen die Figuren eine Verbindung zur Technologie finden, etwa vor zwei Jahren in Robot Dreams. Und dann gibt es in Japan Roboter, die für einsame Menschen gemacht sind, damit sie einen Begleiter haben. Glaubst du, dass Technologie eine Antwort auf die zunehmende Einsamkeit der Menschen sein kann?
Das ist eine interessante Frage. Ich glaube schon, dass es im Hinblick auf das tägliche Handeln oder die Suche nach einem Ziel immer mehr Spaß macht, jemanden bei sich zu haben. Oder einen Begleiter zu haben, mit dem man tatsächlich gemeinsam an einem Projekt arbeitet. Ich liebe diesen Aspekt der Teamarbeit und die Überraschungen, weil man eine Möglichkeit hat, seine Ideen auf etwas auszuweiten oder mit etwas zu arbeiten. Ich bin ein Scratch-DJ, also liebe ich Technologie. Ich spiele auch Klavier, ein sehr technisches Instrument. Aber für mich ist es ein Werkzeug, um etwas auszudrücken. Für mich ist Technologie ein Werkzeug. Manchmal ist es eine Herausforderung, den Umgang mit diesen Werkzeugen zu erlernen oder die eigene Stimme innerhalb der Technologie zu finden. CG-Animationen sind ein perfektes Beispiel. Ich hätte nie gedacht, dass sie so mikroskopisch klein werden können und buchstäblich jedes Bild eine Bedeutung hat. Es hat mich dazu gezwungen, tatsächlich zu wachsen und darüber nachzudenken, wie ich bestimmte Szenen verwirklichen kann. Ich glaube also, dass Technologie das Leben interessanter macht. Aber ich bevorzuge immer noch Menschen. Wenn ich auf einer einsamen Insel wäre und nur ich und ein Roboter da wären, würde ich vielleicht mit ihm rumhängen. Ich möchte jedoch nicht, dass er die Menschen um mich herum ersetzt.
Du hast die Situation beschrieben, als du auf die Idee für die Graphic Novel kamst. Du hast sich auf deine Tochter gefreut, hast aber auch auf deine eigene Kindheit zurückgeblickt. Der Film ist ähnlich. Einerseits geht es darum, etwas Neues zu beginnen, einen neuen Sinn im Leben zu finden, den Weltraum zu verlassen, um einen neuen Ort zu finden, aber auch darum, ständig zurückzublicken und zu schätzen, woher man kommt. Wie findet man die richtige Balance zwischen dem Festhalten an der Vergangenheit und der Entdeckung von Neuem?
Ich denke, die Saat für deine Zukunft liegt immer irgendwie in deiner Vergangenheit. Ich werde hier mal eine DJ-Metapher verwenden. Als ich zum ersten Mal mit Scratchen angefangen habe, klangen die Sounds, die wir auf den Plattenspielern erzeugen konnten, für mich wirklich futuristisch. Aber dann blickte ich zurück auf die Scratch-DJs vor mir und die Musik, die sie zusammenstellten, und dann kam ich zu Funk und Blues. Wir alle verwenden Dinge, die es schon einmal gab. Ich liebe diese Beziehung über Generationen und Jahrhunderte hinweg wirklich. Es gibt eine Beziehung in Space Cadet zwischen den Figuren, und für mich geht sie vorwärts und rückwärts. Durch die Rückblenden kann man diese besondere Verbindung zwischen diesen beiden Charakteren zusammensetzen. Damit Celeste der gegenwärtigen misslichen Lage entkommen konnte, muss sie Dinge aus ihren Erinnerungen und Dinge, die sie von früheren Generationen gelernt hatte, mit ihrem aktuellen technischen Einfallsreichtum kombinieren. Und das ist das Ideal, so entwickeln wir uns weiter, wenn wir beides in Einklang bringen.
Vielen Dank für das Interview!
Space Cadet tells the story of Celeste, who dreamed of going into space as a child. Now she has become a young woman whose dream is coming true. While she starts a new adventure and has to come to terms with her past, someone else faces an uncertain future: her robot. He raised her, was always by her side and suddenly finds himself without a job when she leaves home. We spoke to director Eric San, also known as Kid Koala, during the world premiere at the Berlinale 2025. In the interview he tells us more about the graphic novel it is based on, what challenges there were and what importance technology has for him.
Space Cadet is based on your graphic novel, which was published in 2011. Do you still remember how you came up with the idea for the graphic novel?
Oh, yes! I was at this pivotal moment in my life. We had just lost a few family members, including my grandmother who was very dear to me. That kind of put my head into a little bit of a spin. While I was going through that, we were awaiting the arrival of our first daughter. So I was about to become a new parent. But then I was sort of reminiscing and feeling nostalgic about my experience with my grandmother and also thinking back to my childhood of these shared moments, like sometimes seemingly insignificant little interactions with my parents that really shifted my outlook and perspective on the world. Remembering all those times that were quite special to me and then thinking forward about how am I going to share it with my own child got me excited about the future also. So that idea of time and shared moments was really the heart of the inspiration for the graphic novel and also a way for me to cope with the loss of family members, making it feel less bleak and more a celebration of what I remember and all the things I’m so happy I got to share with them when they were here.
And then why turn it into a film so many years later?
Actually right after the book launched in 2011, we were doing a concert tour with the book and I was playing music from the soundtrack that was included with the actual graphic novel. When we did Montreal’s show, that’s when I first met Nathalie Bissonnette and Ginette Petit. They had attended one of our Montreal book launch shows and they reached out to me maybe just two weeks after about optioning the book to turn it into a film. So I didn’t have the vision to do that. I guess in some ways the book is like a storyboard through an imaginary silent film or something. But I come from the music world so my production budgets are much lower. I didn’t understand the scope or anything like that in terms of how to get it to that level. But they saw some potential in a film work. So I have to give credit to those two.
And was it always planned for you to direct? You could have given your story to somebody else to direct it especially since you’ve never done a film before.
That’s true. Plus I’m quite busy with my music, releasing albums and doing theater shows, etc. But I think it was important to Jeanette for me to direct it. She said that the story is so close to my heart, that she wanted to give me the opportunity to do it. I wasn’t sure whether I was ready yet but I went for it. Whenever I have those moments in my life where I see a door opening it’s a little scary at first but it’s worth it to try something new. I was learning on the job very much, because the animators were talking to me using terms like frames which was completely new to me. How many frames will it take for the robot to do this and get through here? And so it took me a while to start learning that language and I tried to learn as much as I could from all these talented artists.
Then let’s talk about the content. There have been lots of films in the last few years about people and their relationship to technology. It’s mostly told through the eyes of the humans and how they react to technology. In your film, there’s both, we have the situations with Celeste who is up in the sky, but there are lots of situations with the robot, too. Why did you want to tell the story through the eyes of the robot, rather than just doing the Celeste part?
When we thought about designing the robot, the animators were very excited: “Oh, it’s a robot, he can do everything, like, his head can do 360, his arms can like do this. But then I said, it’s not really about him being some super robot. It’s more about their connection and their interactions, because their story is a metaphor for the relationship between a parent and a child. I actually drawing robots. But I never think about it as technology. Even in the original book I basically wrote like as a character, almost as a human, as character. When she goes on her spacecraft for a lot of the film to galaxies far way, and he’s left on Earth, they have parallel sort of daily questions that might come up like: What am I doing here? How do I fill my day? What’s the purpose of it all? It’s like an empty nest syndrome. He’s a robot that was designed to raise a child. But now that she’s grown up, and started her own life, he has to find a new way to express or a new way to contribute to his life and surroundings, or a new inspiration, you know, and I just found that compelling.
You already mentioned that the situation of the robot is quite similar to the situation of a parent. So why did you choose a robot in the first place? You could have done a regular drama about a parent who’s trying to figure out what to do now.
There’s a very simple answer to that: it’s way easier to draw a robot. I have friends that do life drawing, and they were explaining to me that there are dozens of muscles you need to control in the human face alone, just to emote certain things. A robot doesn’t have eyebrows or big, stretchy movements. But you can still tell a touching story. That’s what I learnt when I turned my first graphic novel Nufonia Must Fall into a theater show with puppets. Puppets also don’t have eyebrows and stuff, but the slightest tilt of the head can actually emote a lot. When you’re dealing with a dialogue-free film, you’re watching it, and you’re trying to solve this little puzzle, and in order to relate to it. Sometimes you might dig into your own memories and experiences and say: “Oh yeah, I remember a moment where I felt like that.” It’s a different way of telling a story rather than using a dialogue to tell the audience how I’m feeling. I wanted to leave space for the audience to bring in their own story to it a little bit.
In your film, the robot is a companion to the protagonist, and there have been other films with this topic with people finding a companionship with technology, like Robot Dreams two years ago. And then you have robots in Japan that are done for people who are lonely so that they have a companion. Do you think that technology can be an answer to people being more lonely today?
That’s an interesting question. I do think in terms of your daily action or finding a purpose, to have somebody with you is always more fun. Or to have a companion to actually work on a project together, a collaboration. I love that aspect of teamwork and the surprises because you have some sort of way to bounce off your ideas off something, or work with something. I’m a scratch DJ, so I love technology. I do also play piano, which is a very technological instrument. But for me it’s a tool to express something. Technology to me is a tool. Sometimes it’s a challenge to learn how to use these tools, or to find your voice within the technology. CG animation is a perfect example, I never thought that it could get that microscopic with literally every frame having a meaning. It forced me to actually grow and think how to make certain scenes happen. So I do think technology makes life more interesting. But I still prefer humans. Maybe if I was on a desert island, and it was just me and a robot I’d probably hang out with him. I wouldn’t want him to replace the people around me though.
You mentioned when you came up with the idea for the graphic novel that you were kind of in between. You were looking forward to your daughter, but you were also looking back to your own childhood. The film is similar. On the one hand, it’s about starting something new, finding a new purpose in your life, going out of space to find some new place, but also looking back all the time, and cherishing where you come from. How do you find the right balance between holding on to the past and finding something new?
I think the seeds for your future are always in your past in some way. I’m going to default to a DJ metaphor here. When I first got into scratch the sounds we were able to make on the turntables sounded really futuristic to me. But then I looked back at the scratch DJs that came before me and the music they were piecing together, and then you get to funk and blues. We are all using stuff that has existed before. I really love that relationship over time across generations, across centuries. There’s a relationship in Space Cadet, and to me it does go forward and backward. It’s through the flashbacks that you are able to piece together, this special connection that these two characters have. For Celeste to escape a current predicament she needs to combine stuff from her memories, and stuff that she learned from previous generations, mixed with her current engineering ingenuity. That’s how things keep moving forward.
Thank you for the interview!
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