Erst in der zweiten Folge ist mir der besondere Stil aufgefallen und ich habe verstärkt darauf geachtet.
Spätestens in der vierten Folge konnte ich es gar nicht mehr glauben und habe nach versteckten Cuts gesucht.

Für mich persönlich wirkt das ganze unglaublich gut umgesetzt.
Sicherlich gibt es Szenen die dadurch ein wenig lang wirken, weil man heutzutage gewohnt ist, dass alles schnell und „Schlag auf Schlag“ geht. In anderen Filmen/Serien skippe ich da gerne mal etwas durch. Das war hier aber nicht möglich, da man einfach nichts verpassen wollte.
Speziell dritte und vierte Folge waren unglaublich fesselnd.

Einerseits eine Wahnsinnsrezension, schon allein wegen der epischen Länge, aber natürlich auch wegen des fachkundigen Inhalts. Chapeau, könnte ich in dieser professionellen Form niemals! Andererseits finde ich manche überschwänglichen Lobeshymnen auch schon wieder etwas übertrieben. Ich denke dann immer „Geht’s nicht auch ’ne Nummer kleiner?“. Aber vielleicht hat das auch mit meinem eher prosaischen Naturell zu tun.

Na gut, lange und ungeschnittene Filmsequenzen können die Illusion dokumentarischer Authentizität suggerieren, als ob der Zuschauer selbst dabei sei. Sie können aber auf die Dauer auch chaotisch und dilettantisch wirken, wenn die Choreografie nicht perfekt ist, und den Eindruck hatte ich z. B. bei dem hochgelobten Film „Victoria“. Der wurde für mich nach einer Weile zu einer regelrechten Quälerei. Bei „Birdman“ und „1947“ gibt es ja wohl doch Schnitte, nur dass die so gut kaschiert sind, dass sie nicht auffallen. Ist vielleicht auch eine Frage des Budgets und wie viel Aufwand man damit betreiben kann.

Adolescence – die neue Netflix-Miniserie mit Tiefgang und Thrill

Einleitung

Es ist kurz nach 6 Uhr morgens, als eine Horde bewaffneter Polizisten das Haus der Familie Miller aufbricht und den 13-jährigen Jamie (Owen Cooper) aus dem Schlaf reißt und festnimmt . Der Vorwurf ist kaum zu fassen: Er soll seine Mitschülerin Katie ermordet haben. Was für die fassungslose Familie wie ein schrecklicher Irrtum erscheint, entpuppt sich rasch als beklemmende Realität. Mit Adolescence präsentiert Netflix eine britische Miniserie, die Krimi-Spannung mit einfühlsamem Jugenddrama verknüpft. In vier intensiven Folgen – jeweils als erstaunlicher One-Take ohne jeden Schnitt gefilmt  – entfaltet sich ein fesselndes Puzzle aus Schuld und Unschuld, das den Zuschauer sachlich wie emotional in den Bann zieht. Diese Rezension beleuchtet die Hauptfigur Jamie und die Leistung seines jungen Darstellers, die emotionalen wie spannungsgeladenen Höhepunkte, die außergewöhnliche Erzählweise mit ihrem offenen Ende, die zugrundeliegenden Motive (insbesondere Mobbing) sowie die Gesamtinszenierung von Kamera über Drehbuch bis zur Musik.

Handlung und Themen

Adolescence erzählt die Geschichte eines vermeintlichen Jung-Mörders und der verzweifelten Suche nach der Wahrheit hinter seiner Tat . Im Zentrum steht Jamie Miller, ein schüchterner 13-Jähriger, der plötzlich unter Mordverdacht gerät. Die Serie verfolgt die Geschehnisse nach Katies Tod auf eindringliche Weise: Von der schockierenden Verhaftung über die Vernehmungen bis hin zu Schulereignissen und Therapiesitzungen erlebt das Publikum hautnah mit, was dieser Albtraum für Jamie, seine Familie und sein Umfeld bedeutet. Statt klassischer Whodunit-Spannung – wer der Mörder ist, wird früh deutlich – rückt Adolescence die Frage nach dem Warum in den Vordergrund . Die Drehbuchautoren (Jack Thorne und Stephen Graham) nutzen den Fall, um brisante Themen auszuloten: Die Unsicherheiten der Jugend und der schmale Grat zwischen Opfer- und Täterrolle, die Dynamik von sozialem Druck und Ausgrenzung in der Schule, sowie die Rolle von Social Media bei der Bildung von Identität und Ideologien . Besonders Mobbing steht als potenzieller Auslöser im Raum – so wird enthüllt, dass Jamie von seinem Opfer online schikaniert und als „Incel“ verhöhnt wurde, was seine Wut und Verzweiflung schürte. Doch Adolescence geht noch tiefer: Im Verlauf der Ermittlungen stößt die Polizei auf die dunklen Ecken der Online-Welt, auf toxische Männlichkeitsideologien in der sogenannten Manosphere und den zerstörerischen Einfluss von frauenfeindlichen Influencern à la Andrew Tate . Die Serie zeichnet so ein erschreckendes Bild davon, wie Demütigungen durch Gleichaltrige und gefährliche Internet-Subkulturen einen labilen Jugendlichen in eine Tragödie treiben können. Dabei gelingt Adolescence eine kritische Reflexion über Schuld und Verantwortung: Ist Jamie Täter oder auch Opfer der Umstände? Die Motive hinter der Tat sind komplex und vielschichtig – und genau diese Komplexität macht den Reiz und Tiefgang der Miniserie aus.

Jamie als Hauptfigur und schauspielerische Leistung

Im Mittelpunkt der Serie steht Jamie Miller – ein 13-Jähriger, der von einem Moment auf den anderen aus seiner kindlichen Alltagswelt gerissen wird und sich in einem Albtraum aus Verdächtigungen und Schuldzuweisungen wiederfindet. Jamie wird von Newcomer Owen Cooper verkörpert, und seine Leistung ist bemerkenswert: Der junge Hauptdarsteller (in seiner ersten Rolle überhaupt) trägt die Serie mit einer nuancierten und intensiven Darbietung . Cooper gelingt es, Jamie als vielschichtigen Charakter darzustellen – anfangs ängstlich und überfordert, mit großen unschuldigen Augen, die nicht verstehen, was gerade passiert, doch nach und nach blitzen auch Wut, Verzweiflung und ein verstörender innerer Aufruhr hervor. In den Verhörraum-Szenen sieht man, wie Jamies Fassade zu bröckeln beginnt: Mal beteuert er unter Tränen seine Unschuld, mal schweigt er trotzig, während die Indizien sich gegen ihn häufen. Besonders in der dritten Folge – einem kammerspielartigen Schlagabtausch zwischen Jamie und der Psychologin Briony – zeigt Cooper eine beeindruckende Bandbreite. Hier muss der jugendliche Darsteller subtil andeuten, was in Jamie vorgeht: die Scham über das Mobbing, das er erlitten hat, die unterdrückte Wut und schließlich tiefe Reue und Angst. Der Moment, in dem Jamie sich im Gespräch mit der Psychologin beinahe ungewollt selbst belastet (ein Satz rutscht ihm heraus, der einem Geständnis gleichkommt), gehört zu den intensivsten Augenblicken der Miniserie. Owen Cooper spielt diese Szene mit erstaunlicher Authentizität – sein stockender Atem, der panische Blick, sobald er merkt, was er gerade gesagt hat, lassen den Zuschauenden den Atem anhalten. Neben Cooper liefert auch der restliche Cast starke Leistungen: Stephen Graham als Jamies verzweifelter Vater Eddie vermittelt mit jeder Faser den inneren Konflikt zwischen bedingungsloser Liebe zum Sohn und dem Grauen über die Tat, während Ashley Walters als entschlossener Ermittler Bascombe und Erin Doherty als einfühlsame Psychologin Briony überzeugende Gegenparts bieten. Doch es ist Coopers feinfühliges Spiel als Jamie, das am tiefsten unter die Haut geht – wir fühlen mit diesem Jungen, der mal unschuldig hilflos, mal unheimlich verschlossen wirkt, und der am Ende vielleicht selbst nicht begreift, wozu er fähig war.

Emotionale und spannungsgeladene Momente

Die emotionale Wucht und Spannung von Adolescence entfalten sich von der ersten Minute an und lassen bis zum Schluss nicht nach. Gleich die Eröffnungsszene – die Haussuchung und Festnahme in den frühen Morgenstunden – ist ein adrenalintreibender Schockmoment. Die hektische Kamerabewegung, das Poltern der eintretenden Tür und die panischen Rufe der Familie schaffen sofort eine Atmosphäre atemloser Angst. Man spürt die Fassungslosigkeit von Jamies Mutter und Schwester und insbesondere Jamies eigene Verwirrung und Panik, als er noch im Schlafanzug von Polizisten abgeführt wird . Dieser Auftakt setzt den Ton für die Serie: eine permanente Gefühlsanspannung zwischen Hoffnung und Horror. Viele Szenen gehen emotional unter die Haut – etwa wenn Jamie im Polizeiauto auf dem Weg zur Wache leise zu weinen beginnt, während neben ihm der grimmige Detective Bascombe sitzt . Die Kamera bleibt unbarmherzig drauf und verweilt in der Enge des Wagens, wodurch die Hilflosigkeit des Jungen fast körperlich spürbar wird. Ebenso intensiv sind die Momente auf der Polizeistation: die demütigende Leibesvisitation, bei der Jamies Gesicht vor Scham glüht, oder der Augenblick, als seine Eltern ihn durch die Glaswand der Arrestzelle zum ersten Mal sehen – Verzweiflung und Bedauern liegen in ihren Blicken, und Jamie wirkt kleiner und verlorener denn je.

Auch außerhalb des Verhörzimmers gelingt es der Serie, enorme Spannung zu erzeugen. In Episode 2 beispielsweise, die am Tag nach der Tat an Jamies Schule spielt, brodelt die Stimmung: Mitschüler*innen sind aufgebracht, es gibt wütende Diskussionen auf den Gängen, Gerüchte und Angst machen die Runde. Eine besonders eindringliche Szene zeigt eine improvisierte Versammlung in der Turnhalle, in der Lehrer und Polizeipsychologin versuchen, den Schülern das Geschehene zu erklären – nur um von Schreien und Weinkrämpfen unterbrochen zu werden. Hier wird greifbar, wie Katies Tod die ganze Schulgemeinschaft traumatisiert und wie schnell Mitgefühl in unterschwellige Aggression umschlagen kann. Die Spannung resultiert nicht aus actionreicher Inszenierung, sondern aus der emotionalen Alarmstufe Rot, auf der alle Beteiligten operieren.

Den Höhepunkt der emotionalen Intensität bildet Episode 3, in der Adolescence fast zu einem Kammerspiel wird. In einem kargen Besprechungsraum der Jugendpsychiatrie sitzt Jamie seiner zugewiesenen Psychologin gegenüber – ein gesamter Akt nur diese beiden im Dialog. Was als behutsames Gespräch beginnt, entwickelt sich zu einem seelischen Striptease voller knisternder Spannung. Die Psychologin bohrt sich langsam durch Jamies Schale, spricht ihn auf seine Ängste und den Vorfall an. Dabei wechseln sich behutsame Stille und eruptive Gefühlsausbrüche ab. Als Jamie schließlich von den Erniedrigungen berichtet, die er durch Mitschüler – insbesondere durch Katie – erlitten hat, und im gleichen Atemzug eine belastende Wahrheit über die Tat herausrutscht, hält man unwillkürlich den Atem an. Dieser Moment, in dem alles auf der Kippe steht, ist so packend inszeniert, dass man die Anspannung förmlich im eigenen Körper spürt. Erin Doherty als Psychologin und Owen Cooper spielen sich die Bälle mit solcher Intensität zu, dass die Funken fliegen – eine Mischung aus Mitgefühl, Scham und Schrecken liegt in der Luft.

Nicht zuletzt sorgt auch die letzte Episode für gewaltige emotionale Ausschläge. Ohne zu viel zu verraten: Die Ereignisse spitzen sich zu einem Finale zu, das weniger auf äußere Spannung als auf inneren Aufruhr setzt. Insbesondere eine stille Schlüsselszene gegen Ende – ein Vater alleine in dem verwaisten Kinderzimmer, überwältigt von Trauer und Schuldgefühlen – dürfte vielen Zuschauern einen Kloß im Hals bescheren. Hier entlädt sich all die aufgestaute Emotion der vier Folgen in einem herzzerreißenden Moment, der noch lange nachhallt. Adolescence liefert insgesamt keine leichte Kost; die Serie führt das Publikum durch ein Wechselbad der Gefühle, von Wut und Angst bis hin zu tiefem Mitgefühl und tragischer Erschütterung. Gerade diese ungefilterte emotionale Wucht macht die Miniserie jedoch so eindrucksvoll – man fühlt, leidet und zittert mit den Figuren bis zur letzten Minute.

Erzählweise und offenes Ende

Erzählerisch beschreitet Adolescence ungewöhnliche Wege, die wesentlich zur Intensität der Serie beitragen. Die Miniserie besteht aus vier etwa einstündigen Folgen, die jeweils in Echtzeit und ohne sichtbaren Schnitt gedreht sind . Jede Episode ist ein einziges kontinuierliches One-Take-Erlebnis – die Kamera folgt den Figuren ununterbrochen durch Räume und Szenen, als wäre man live dabei. Diese mutige Inszenierungsentscheidung (ähnlich wie im Film Victoria oder Barantinis eigenem Film Boiling Point, die beide auf One-Takes setzen) erweist sich als voller Erfolg: Man wird als Zuschauer förmlich in das Geschehen hineingesogen und erlebt die Handlung mit derselben Unmittelbarkeit wie die Protagonisten. Dadurch entsteht ein immersives Gefühl von Präsenz – die Uhr läuft, Ereignisse entfalten sich ohne Pause, und man hat keine Chance, emotional oder gedanklich auf Distanz zu gehen. Zwischen den Folgen gibt es allerdings Zeitraffer bzw. Zeitsprünge , sodass wir beispielsweise in jeder Episode einen anderen Tag oder Schlüsselmoment der Geschichte sehen: Folge 1 umfasst die Stunden der Verhaftung und ersten Vernehmung, Folge 2 den darauffolgenden Tag in Schule und Polizeirevier, Folge 3 eine etwas spätere Therapiesitzung und Folge 4 springt nochmals in die Zukunft, um die Nachwirkungen zu beleuchten. Diese episodischen Zeitsprünge strukturieren die Erzählung klug, ohne die Intensität der einzelnen Abschnitte zu mindern – im Gegenteil, sie erlauben es, bestimmte dramatische Situationen in extremer Verdichtung auszukosten und dann zur nächsten Eskalationsstufe überzugehen.

Die Erzählweise von Adolescence besticht durch diese Mischung aus ungewöhnlicher formaler Strenge und inhaltlicher Offenheit. Trotz der stringenten Echtzeit-Darstellung nimmt sich die Serie Zeit für leise Momente und Zwischentöne: Lange Kameraeinstellungen auf Jamies verstörtes Gesicht, wortlose Szenen, in denen Blicke mehr sagen als Dialoge, oder auch schlicht der ungeschnittene Ablauf bürokratischer Abläufe (Formulare ausfüllen, Warten auf einen Anwalt), der erstaunlicherweise nie langweilt, sondern die Nerven weiter spannt. Regisseur Philip Barantini versteht es meisterhaft, aus banalen Alltäglichkeiten große Spannung zu ziehen – weil in jedem Moment etwas Unvorhersehbares passieren könnte. Die realistische Erzählweise stellt sicher, dass wir nie vergessen: Dies ist kein konventioneller Thriller mit konstruierten Twists, sondern könnte genau so im echten Leben passieren. Gerade dadurch wirkt das Gesehene so aufwühlend.

Ein besonderes Merkmal der Serie ist ihr offenes Ende. Nachdem die vierte Folge ihren emotionalen Höhepunkt erreicht, verzichtet Adolescence bewusst auf eine vollständig ausformulierte Auflösung aller Handlungsstränge. Ohne ins Detail zu gehen: Der Zuschauer erhält letztlich Gewissheit über die Kernfrage, ob Jamie die Tat begangen hat – doch was darauf folgt, bleibt in mancher Hinsicht offen und dem eigenen Nachdenken überlassen. Statt mit einem klaren Epilog (etwa einem Gerichtsprozess oder einem didaktischen Kommentar) abzuschließen, endet die Serie mit einem leisen, aber eindringlichen Schlussakkord. In der Schlussszene kehrt die Kamera noch einmal an einen vertrauten Ort zurück – Jamies Zimmer, erfüllt von Erinnerungen an den “unschuldigen” Jungen, der er einmal war. Hier erleben wir Jamies Vater, der in diesem Raum zwischen Vergangenheit und Gegenwart verharrt, und wir spüren förmlich die Fragen, die ihm durch den Kopf gehen: Hätte ich etwas verhindern können? Wo liegen die wahren Ursachen dieser Tragödie? Diese Szene ist emblematisch für das offene Ende der Serie: Sie gibt keine einfachen Antworten, sondern entlässt uns mit einer Mischung aus Trauer, Nachhall und Nachdenklichkeit. Einige mögen dies als unbefriedigend empfinden, da nicht jeder Aspekt (etwa das rechtliche Nachspiel oder Jamies weiterer Lebensweg) explizit gezeigt wird. Doch gerade diese Zurückhaltung ist eine Stärke von Adolescence. Das offene Ende passt zur Intention der Macher, das Warum über das Wer/Was zu stellen – es zwingt uns, über die Hintergründe und Konsequenzen der Geschichte weiter zu sinnieren. So hallt die Serie lange nach dem Abspann im Zuschauer nach und regt zu Diskussionen an: über Schuld und Versäumnisse der Eltern, über den Umgang der Gesellschaft mit jugendlichen Straftätern, und über die Verantwortung von Schule und digitalen Medien. Dieses vieldeutige, bittersüße Finale macht Adolescence zu mehr als nur spannender Unterhaltung – es wird zum Startpunkt für eine tiefere Auseinandersetzung mit den aufgeworfenen Fragen.

Gesamtinszenierung: Kameraführung, Drehbuch und Musik

Die technische und künstlerische Umsetzung von Adolescence überzeugt auf ganzer Linie. Allen voran steht die außergewöhnliche Kameraführung: Die Entscheidung, jede Folge in einem einzigen langen Take zu drehen, verlangt der Regie und dem Kamerateam höchste Präzision ab – und das Resultat ist beeindruckend. Die Kameraarbeit (Kameramann: Matthew Lewis) ist dynamisch, aber nicht hektisch; sie folgt den Figuren auf Schritt und Tritt, mal dicht auf Jamies Fersen durch enge Flure, mal behutsam um die Protagonisten kreisend, wenn zwei Charaktere im Gespräch sind. Dabei gibt es keinerlei sichtbare Schnitte oder Unterbrechungen, was den immersiven Echtzeiteffekt verstärkt. Besonders gelungen ist, wie die Kameraführung stimmungsvoll zwischen subjektiver Sicht und Beobachterperspektive wechselt: In manchen Momenten scheinen wir durch Jamies Augen zu schauen – beispielsweise wenn er benommen den Blutspuren am Tatort folgt – in anderen wirken wir wie unsichtbare Zeugen, die im Hintergrund verharren und eine erschütternde Familienkonfrontation miterleben. Diese fließende Kamerabewegung erzeugt eine klaustrophobische Nähe und trägt maßgeblich zur angespannten Stimmung bei. Visuell bleibt die Serie trotz des hektischen Inhalts immer geerdet und glaubwürdig; es werden keine reißerischen Effekthaschereien benötigt, weil die ununterbrochene Präsenz der Kamera schon genügend Intensität liefert.

Das Drehbuch von Jack Thorne (bekannt u.a. für His Dark Materials und Enola Holmes) in Zusammenarbeit mit Stephen Graham ist ein weiterer Eckpfeiler der gelungenen Inszenierung. Die Autoren schaffen es, einen komplexen Kriminalfall mit familiärem Drama und gesellschaftlichen Themen zu verweben, ohne dass es gekünstelt oder moralisierend wirkt. Jede Folge hat ihren eigenen dramaturgischen Bogen und doch greifen alle nahtlos ineinander. Das Skript spart klassische Erzählelemente wie Rückblenden oder Off-Kommentare komplett aus – stattdessen kommen die Hintergründe Stück für Stück durch Dialoge und Handlungen ans Licht. So erfährt man etwa in einem Streitgespräch zwischen Jamies Eltern mehr über das angespannte Familienleben und mögliche frühere Warnzeichen, oder man lernt durch die Gespräche zwischen Detective Bascombe und seiner jugendlichen Tochter (die ihm Social-Media-„Übersetzungshilfe“ gibt) die kulturelle Kluft kennen, die zwischen den Generationen verläuft . Solche Szenen wirken nie wie trockene Exposition, sondern natürlich und lebensnah. Überhaupt zeichnet sich das Drehbuch durch authentische Dialoge aus: Die Teenager sprechen so, wie Teenager nun mal sprechen (inklusive Smartphone-Chats und Slang), und die Erwachsenen ringen sichtlich damit, Zugang zu dieser Welt zu finden. Das verleiht der Serie eine große Glaubwürdigkeit. Gleichzeitig gelingt es Adolescence, die Spannungskurve hochzuhalten – selbst in längeren Dialogpassagen schwingt immer eine latente Bedrohung oder Tragik mit, sodass man gebannt bleibt. Wenn es zu emotionalen Ausbrüchen kommt, fühlen diese sich verdient und nachvollziehbar an, weil das Drehbuch die Charaktere sorgfältig aufgebaut hat.

Zuletzt verdient auch die akustische Ebene Lob. Die Filmmusik stammt vom Komponisten-Duo Aaron May und David Ridley, die bereits bei Barantinis Film Boiling Point für eindringliche Klänge sorgten . Ihr Score für Adolescence ist zurückhaltend, aber wirkungsvoll: Meistens dominieren die natürlichen Geräusche der Szenen – hallende Schritte auf dem Gang, das Summen von Neonlicht im Verhörraum, entferntes Donnergrollen während einer nächtlichen Schlüsselszene – doch wenn Musik einsetzt, verstärkt sie gezielt die Stimmung. Mal sind es minimalistische, dröhnende Basstöne, die die Anspannung untermalen, mal melancholische Streicher, wenn das Drama seinen traurigen Höhepunkt erreicht. Besonders in den Übergängen zwischen den Akten und bei der finalen Szene sorgt die Musik für Gänsehaut-Momente, ohne jemals manipulativ zu wirken. Das Sounddesign insgesamt ist hervorragend austariert: Dialoge, Geräusche und Musik greifen ineinander, sodass die One-Take-Illusion nie gebrochen wird. Man merkt, wie sorgfältig Timing und Rhythmus abgestimmt wurden – was angesichts des Echtzeit-Formats essenziell ist, damit alles passt. Auch die Schnitlosigkeit stellt hohe Anforderungen an Beleuchtung und Set-Design, die Adolescence mühelos erfüllt: Ob enge Polizeizelle, quirliges Schulgelände oder das schummrige Kinderzimmer voller Erinnerungen – jedes Setting ist authentisch und stimmungsvoll ausgeleuchtet, was der Kamera erlaubt, nahtlos umherzuwandern. Insgesamt ist die handwerkliche Umsetzung der Serie exzellent: Regie, Kamera, Drehbuch und Musik greifen ineinander und erzeugen ein packendes Gesamterlebnis, das innovativ und mitreißend zugleich ist.

Fazit

Adolescence ist eine außergewöhnliche Miniserie, die gleichermaßen nüchtern packend und emotional aufwühlend ist. Mit mutiger Erzählweise und technischer Finesse lotet sie die Abgründe eines erschütternden Falls aus: Ein 13-jähriger Junge im Zentrum eines Verbrechens, das man ihm kaum zutrauen will, und doch entfaltet sich ein tragisches Bild davon, wie Mobbing, soziale Isolation und toxische Einflüsse einen jungen Menschen zu einer grausamen Tat treiben können. Die Serie besticht durch die grandiose Leistung ihres jungen Hauptdarstellers Owen Cooper, der Jamie mit einer Mischung aus Verletzlichkeit und Abgründigkeit verkörpert, unterstützt von einem hervorragenden Ensemble. Ihre emotionalen Höhepunkte – von nervenzerreißender Spannung bis zu tieftraurigen Momenten – sind nichts für Zartbesaitete, aber sie hinterlassen einen tiefen Eindruck. Adolescence überzeugt zudem durch ein kluges Drehbuch, das ohne Effekthascherei auskommt und stattdessen auf Realismus und Charakterzeichnung setzt, sowie durch eine herausragende Inszenierung (Kamera und Regie), die neue Wege geht und den Zuschauenden in Atem hält . Das offene Ende mag Fragen unbeantwortet lassen, doch genau das macht den besonderen Reiz dieser Serie aus – sie überlässt es uns, die Puzzleteile des Warum weiterzudenken, und wirkt dadurch lange nach. Insgesamt ist Adolescence ein intensives Fernseherlebnis, das Thriller-Spannung mit gesellschaftlicher Relevanz verbindet. Diese vierteilige Netflix-Produktion ist kein bloßer Krimi, sondern ein erschütterndes Portrait einer verlorenen Jugend und ein Weckruf, genauer hinzusehen, wenn Jugendliche nach Hilfe schreien – sei es durch auffälliges Verhalten oder stilles Leiden. Eine klare Empfehlung für alle, die sich von düsteren, aber bedeutsamen Geschichten fesseln lassen wollen. Adolescence lässt einen betroffen zurück und zeigt, dass die wahrsten Monster manchmal von unserer eigenen Gesellschaft erschaffen werden.

Um in der Analogie zu bleiben: Es gibt aber Menschen, die beim Essen dann auch die Feinheiten herausschmecken, besondere Zutaten oder Zubereitungsformen, und für die das einen Mehrwert darstellt. Das muss es nicht. Manchen reicht es, ob es schmeckt oder nicht. Und das ist dann auch okay. Man sollte deshalb aber nicht in Abrede stellen, dass es für andere ein Mehrwert sein kann, nur weil es einem selbst egal ist.

Da stimme ich voll zu! Wenn mir ein Menü schmeckt, dann ist es mir egal, ob der Koch es mit verbundenen Augen und auf nur einem Bein stehend zubereitet hat oder nicht. Das macht es weder besser noch schlechter, obwohl es unter sportlichen Aspekten vielleicht bewundernswert ist.

Das mag ja sein, aber das sind alles rein technische Aspekte, die mich als Normalzuschauer letztendlich nicht interessieren. Wenn es danach ginge, dann müsste wahrscheinlich „Victoria“ von Sebastian Schipper mit seiner 140-minütigen-Plansequenz der beste Film aller Zeiten sein, aber den finde ich sogar richtig nervig. Bei CGI-Effekten denke ich auch nicht an die aufwendige Mathematik, die dahintersteckt (Vektoren, Matrizen, Fourier-Transformation, Quaternionen …).

Ich finde es jedenfalls enttäuschend, dass die Serie für mein Empfinden einfach mittendrin abbricht. Zumindest hätte es auch noch eine One-Shot-Gerichtsverhandlung geben können. Vielleicht hätte man da die Motivation des jugendlichen Täters auf einer analytischen Ebene noch einmal besser herausarbeiten können, denn das geschieht bei aller brillanten schauspielerischen Leistung des erst 14-jährigen Owen Cooper in dem Gespräch mit der Psychologin meines Erachtens nicht.

Diese misogyne Incel-Ideologie als ganz übles und gefährliches Internetphänomen (Buzzword „toxische Männlichkeit“) wird ja leider nur sehr oberflächlich gestreift, weshalb in vielen begeisterten Rezensionen auch nur ganz allgemein von Jugendgewalt und Mobbing die Rede ist.

Es ist im Theater aber unüblich, dass eine Szene eine Stunde lang ist. Und was du dort gar nicht hast, ist die Dynamik, die durch einen Schauplatzwechsel entsteht. Es ist eine Sache, auf einer Bühne alle Texte aufzusagen. Eine andere, vom Haus in den Garten zu gehen, wieder zurück, dann zum Baumarkt zu fahren und wieder zurück, zwischendurch noch eine körperliche Konfrontation zu haben. Eine solche Szene zu drehen, ist eine extreme logistische Herausforderung. Das kann man mit Theater nicht vergleichen, wo notgedrungen alles statisch ist.

Vor der Erfindung des Films war es Jahrtausende völlig normal, in Echtzeit und ohne Cuts zu spielen, und im Theater ist es das heute noch. Kann daher daran nichts Besonderes finden, obwohl die Performance des Jamie-Darstellers in Episode 3 für sein Alter schon beeindruckend ist. Jedenfalls macht es einen Film nicht per se besser, im Gegenteil, es ist ein Verzicht auf spezifisch filmische Ausdrucksmittel. Wie auch immer, ich war nach dem fulminanten Start ziemlich enttäuscht über den Rest.